缺少的一件事奧本海默電影配樂

Ludwig Göransson 解釋了他如何在不使用關鍵樂器系列的情況下創作出顫抖和隆隆的樂譜。照片：環球影業

克里斯多福諾蘭的奧本海默這可能是一部長達三個小時的歷史劇，充滿了科學家和政治家在房間裡談話的場景，但它的節奏就像一部驚險的動作片。這在一定程度上要歸功於路德維希·戈蘭森的精彩配樂，它自始至終都在顫抖和隆隆，就像諾蘭的敘事一樣，不斷構建和構建。這位瑞典作曲家也因與瑞安·庫格勒的合作而聞名（他因《雷恩·庫格勒》而獲得奧斯卡獎）黑豹）和 Childish Gambino，此前曾與諾蘭合作製作 2020 年的創新配樂宗旨, 配樂我們中的一些人仍然痴迷於。這位導演多年來與漢斯·齊默（Hans Zimmer）進行了卓有成效且具有影響力的合作，以對配樂的特別關注而聞名。他和戈蘭森似乎都在概念和情感層面上處理電影音樂。

您最初是如何與克里斯多福諾蘭談論這部電影的？
在我讀完劇本後，他提到的一件事是他想嘗試一種樂器和一種聲音：他正在設想小提琴，我認為這非常令人興奮。我並不感到驚訝，但我認為這是一個巨大的挑戰。我的妻子 Serena Göransson 是一名小提琴家，所以我直接回家，我們開始在我的工作室合作並嘗試音調。

克里斯真正想要的是捕捉奧本海默的形象、他的神經質行為和他的性格。我認為小提琴這種無品樂器的不安，是如何從最浪漫、最美麗的音調，根據演奏，瞬間轉變為神經質和令人心碎的東西。所以這是我們一開始就進行了大量實驗的事情：如何將傳統的恐怖聲音變成更浪漫的聲音，然後在這兩種不同的音景之間切換。

尤其是在影片的後半段，奧本海默內心充滿愧疚，但卻永遠無法真正表達出來。他身上發生的很多事情都是內在的。這意味著有時電影必須正式地表達這一點。我想音樂在那裡扮演著重要的角色？
絕對地。他是如此複雜、顯然是天才的人物，但我認為有時沒有多少人能理解他。作為其核心，他的主題是由小提琴以非常簡單、親密的方式用六個音符演奏的。但在整部電影中，我都有這個主題，周圍有很多瘋狂的、數學的、有節奏的、複雜的想法。當我第一次開始製作這部電影時，克里斯邀請我提前放映了他們的一些視覺實驗。我看到他們是如何利用周圍旋轉的紫外線來分裂原子的。我坐在一個黑暗的劇院裡，看到這個巨大的螢幕和這些燈光在周圍旋轉。那時我就想，“好吧，這就是我想要的音樂聽起來的樣子。”

整部電影總是讓人感覺它正在朝著某個目標不斷建構、建構、建構。它非常快，永遠不會無聊。音樂是如何幫助建立這一點的呢？是節奏，還是使用的特定樂器？
兩者都是。所以，舉例來說，在我們開始只演奏小提琴獨奏之後，隨著故事的繼續，會有更多的演奏者加入。小提琴獨奏可能會使其變得非常親密和真誠，但你可以逐漸引入四重奏和八重奏，然後是整個弦樂合奏，並演奏該聲音並操縱它。聲音越來越大，越來越大。這也是為什麼與克里斯一起工作是如此美妙：他對節奏和節奏有很好的頭腦。

這些反覆出現的視覺主題——光的漩渦、火花、水滴和漣漪，所有這些小元素——向我們展示了奧本海默如何看待世界，或者擁有這種知識的人可能如何看待世界。那麼這對你來說在音樂上意味著什麼？
我認為這就是為什麼找到這個在不同迭代中重複出現的六音符主題是如此重要。但它周圍發生的事情非常複雜。例如，我不知道你是否還記得他在德國讀書的開場蒙太奇，他去了博物館，你看到了畢卡索的畫和所有這些東西。在那個蒙太奇中，有一個小提琴模式和弦樂隊，以每分鐘 75 拍開始，這是一種較慢的節奏，但人物仍然演奏得相當快。但到了那個場景的最後，一切都結束了三倍快。我對這整個節奏錯覺感到非常非常興奮。這確實與我對原子旋轉的第一次視覺化結合在一起。你看到它們變得越來越快，最後幾乎變得模糊。這就是我想透過音樂實現的目標。它的秘訣在於它是一個穩定的加速貫穿整個場景，但更多的是一種感覺。正如你所說，觀眾是透過希里安墨菲的表演真正跟隨故事發展的，這一點非常出色。所以音樂確實需要讓你感受到他的感受。

特別是在這部電影中，我開始在幾乎沒有電腦的情況下編寫所有音樂，因為我想先捕捉奧本海默情感方面的本質。重要的是，我們首先獲得旋律和音調的情感核心，然後我們可以嘗試節奏模式和合成器。隨著電影的推進，會有更多的製作進來。是合成器在演奏，還是真正的樂器？我認為合成器是黑暗的暗流，不斷將你拖入深淵。其中有一些有趣的地方——現代作品如何象徵籠罩在他身上的烏雲。

在諾蘭的許多電影中，通常都會有一種概念元素融入音樂中。你做到了宗旨，其中一些曲目播放著倒置的曲目。漢斯齊默 (Hans Zimmer) 做到了盜夢空間，修改伊迪絲琵雅芙的歌曲，並在星際效應，將滴答作響的時鐘計入樂譜。你在這裡玩過這樣的元素嗎？
很多。我想說的是，在一首連續的樂曲中，節奏和節奏調製不斷變化，而你實際上聽不到節奏。你可以看出它進展得更快，但這一切都只是一種感覺——你無法真正概念化和理解。這是一種越來越快的節奏，它就像火車在運行一樣給你帶來衝擊。這很有趣，因為我以前從未能夠做到這一點，而我能夠實現這一點是因為整個分數非常基於表現。我們現場錄製，當我們添加現場表演和現場演奏者時，音樂的基調發生了變化。

例如，不斷改變節奏，當我第一次想到它時，我要錄製四個小節，四個小節，四個小節，然後以數位方式將它們混合在一起，因為我認為它無法播放。但是當我們開始與這些令人難以置信的音樂家一起錄製時，我們想出了一種方法，可以在節奏改變之前為音樂家提供新的節奏。因此，當他們以一種節奏演奏時，節奏改變之前的兩個小節，他們在點擊中獲得了新的節奏。因為我們這樣做了，所以他們能夠一次表演完整個三分鐘的作品。那種實驗，那種錄音，我以前從來沒做過。我認為，錄音過程中音樂的活躍程度是非凡的。

說到節奏，影片中沒有太多打擊樂，不是嗎？
不，幾乎沒有。

感覺缺乏打擊樂也是節奏變化感覺幾乎是下意識的原因之一。當人們聽到節拍時，就會想到節奏。節拍改變，人們意識到節奏正在改變。但如果沒有敲擊聲來表示這一點，它就會引起焦慮。
是的。克里斯的許多電影都非常注重打擊樂。我的意思是，至少宗旨曾是。今天有很多電影。跺腳是這部電影中唯一不斷出現的打擊元素之一。由於沒有太多的撞擊聲，該元素變得非常磨損。它幾乎被扭曲了，因為你感覺到那種節奏像鼓一樣敲擊著你。但我希望你沒有錯過鼓！

克里斯多福諾蘭和剪輯師珍妮佛拉梅告訴我的一件事是，他們在剪輯電影時沒有臨時曲目。所以他們沒有放入其他你必須模仿的音樂作品。我想這相當自由。
就像那樣宗旨，也。在我們開始拍攝之前，我經常見到克里斯。所以我讀了劇本，然後我們每週開一次會，坐下來。在大約兩個月的時間裡，我每週寫大約 10 到 15 分鐘的音樂，然後我們坐下來聽。有時這些都不起作用，但有時卻全部起作用。然後我們可以剖析我的演示中的音樂，我們談論，“這個音色真的很酷”，或者，“這裡的樂器有一些特別的東西。”我只是丟掉我擁有的一切。我們正在建立一個健全的世界，我們正在從頭開始建立一些東西。

我也不羞於給他一些我認為不起作用的東西，因為他可以找到並解鎖裡面的東西——這樣當他開始拍攝時，他就有了兩三個小時的音樂，我」已經完成了。當他在拍攝完成後立即開始剪輯時，他和 Jen 開始將我的演示放入電影中。他有第一個剪輯，我去看電影，我所有的音樂都在那裡。在那個階段，我們才真正開始戴上手套，努力演奏音樂。但那時候，已經有種感覺了。電影中有一個視覺世界和一個聲音世界。從他們開始編輯開始，我有兩三個月的時間來完成。然後每週我們都會放映這部電影。每個週五我都會看。

你可能與這個元素沒有任何關係，但我確實想問你關於電影中的沉默的事情。由於音樂太多，影片許多關鍵場景中出現的沉默非常引人注目。您對這些決定有什麼意見？
克里斯對於如何推動、如何伸展以及音樂在電影中如何發揮作用有著非常好的想法。他是這方面的大師。但顯然，當我們到達舞台進行第一次剪輯時，總是會有一些地方我們會談論空間。當有很大的停頓時，它們非常有效。但我認為這些在他寫劇本的時候就已經在他的腦海裡了。