對口型的歷史

有些女王成為一生的傳奇，有些則在一分鐘內成為傳奇。

在 2001 年美國黑人同性戀小姐選美比賽中，邦妮泰勒 (Bonnie Tyler) 1984 年經典歌曲的開場曲來自自由自在等待的人群中響起了原聲帶“Holding Out for a Hero”，一位身穿無袖亮片超人服裝的舞者遮住眼睛，掃視著等待的人群，為被稱為有史以來最偉大的變裝皇后入場奠定了基礎。正當歌曲前奏達到高潮時，邦妮·泰勒(Bonnie Tyler) 沙啞的聲音尖叫著她在尋找完美的男人，一位雄心勃勃、專注且才華橫溢的女王坦迪·伊曼·杜普雷(Tandi Iman Dupree) 讓觀眾驚嘆不已，創造了她的故事，並成為傳奇。從天花板上落下並以完美的劈叉方式落地計時到第一個音節。人群歡呼雀躍，身著流蘇神奇女俠服裝的杜普雷小姐繼續為他們表演了五分鐘精心編排、完美表演的口型同步，這樣的表演會讓魯和米歇爾哭泣。四年後，她死於愛滋病併發症，她成為史上最偉大的選美皇后的夢想落空了。她可能會成為變裝同誌中的傳奇人物，她標誌性表演的故事年復一年地被重述，直到它要么褪色，要么變得面目全非，但在一個轉折中，揭示了現代媒體和社交媒體形式已經永遠改變了多少在變裝世界中，她的表演影片最終出現在 YouTube 上，觀看次數超過 200 萬次——坦迪本人可能從未夢想過會有這樣的觀眾。威廉，誰在他的網絡系列節目中透露擊敗 這是他看到的第一部讓他意識到阻力有多麼驚人的視頻，談到坦迪·伊曼·杜普雷（Tandi Iman Dupree）的傳奇表演時，他說：“這個母狗不只是摘蘋果，她還他媽的在耕種蘋果的田地。

變裝口型同步旨在提供那些令人難忘的時刻，口型同步格式的一些最佳用途（例如 Tandi Iman Dupree 的）提供了大多數歌手在唱歌時無法做到的東西。重點是要注重技巧，同時又要讓它顯得無縫而真實。當你創造出完美的口型同步時刻時——而且你很幸運有人錄下了它（就像今天的人總是這樣）——你可以通過完美執行的摔倒來確保你自己的傳奇地位。對嘴同步是變裝表達的終極形式，因為從技巧中榨取美感和藝術是變裝的核心。

將口型同步作為一種令人瞠目結舌的變裝時刻的形式的想法是結束的「口型同步為你的生活」對決的核心的每一集變裝皇后秀 並決定了站在茹面前的兩位女王的命運。在經歷了一系列通常令人筋疲力盡的挑戰後，迫使兩位女王同時對口型來決定她們的命運，這是一部完美執行的真人秀戲劇，與酷兒情感交織在一起——而且該劇的一些最佳時刻傾向於來自這個特徵。

然而，良好的口型同步不僅取決於技巧。一位才華橫溢的口型同步藝術家會發現並表達自己的真實想法，而與原始聲樂藝術家的意圖無關。一個真正的高超的對口型藝術家會重新混合歌曲的情感，透過自己的性格和生活經歷過濾它們，用幾乎就像指揮家的動作一樣誇張的華麗點綴它們，並像藝術大師一樣玩弄觀眾的情感和期望。這就像沒有實際重新混音的混音。正如我們在本書中試圖展示的那樣，變裝通常是對主流文化的重新利用或重新混合。無論是模仿好萊塢的比喻，還是用政治戲仿來評論更重要的事情，無論是服務現實還是扭曲社會規範，變裝藝術都在不斷地把「正常」的東西變成……其他的東西。

第一個真正史詩般的對嘴同步發生在第一季的第五集中變裝皇后秀， 什麼時候BeBe Zahara Benet 對 Ongina對口型唱著布蘭妮·斯皮爾斯的《更強》。兩場表演都如此宏大且充滿意義（奧吉娜在上一集中淚流滿面地透露了自己的愛滋病毒感染狀況），讓評審團感到震驚，而魯則走下片場讓自己平靜下來。這是兩位女王第一次理解口型同步挑戰是什麼，並明白該節目對脆弱和真誠的關注不僅僅是真人秀節目的胡言亂語。

但如果你想談論傳奇的口型同步變裝皇后秀,拉特里斯·羅亞爾 (Latrice Royale) 對陣肯尼亞·邁克爾斯 (Kenya Michaels)在第四季中，它幾乎立刻就被載入了高拖的史冊，直到今天，它往往出現在大多數最佳口型同步列表的頂部或附近。變裝皇后秀她的故事。拉特里斯對艾瑞莎·富蘭克林的《（你讓我感覺）一個自然的女人》的表演之所以如此具有標誌性，不僅僅是因為她為表演帶來了令人驚嘆的情感深度——足以讓大多數評審會落淚。這不僅僅是她如何利用自然的身體形狀，結合表演和模仿，讓觀眾看到她是一個孕婦，為未出生的孩子唱歌。這就是這場表演代表了上個世紀變裝演變的終點。這是一個大號黑人男子模仿孕婦並假唱一首流行歌曲。五十年前，它會被視為一部不修邊幅的喜劇表演，表演很可能帶有一點厭惡女性的色彩，它不會被淚流滿面的觀眾視為高雅藝術，而是會被嘲笑作為街頭無才、不會唱歌的人提供的廉價娛樂。不，真的。我們將在一分鐘內向您展示這些收據。現在，我們想重點介紹一些更戲劇性的時刻變裝皇后秀對口型她的故事。

每位發現自己在生活中假唱的女王變裝皇后秀想要證明自己的價值並埋葬另一個婊子，但沒有兩個人比艾莉莎·愛德華茲和可可·蒙特雷更迫切地想要實現這些目標。在第四季中，他們帶著大量的情感包袱，整齊地放在他們所有的服裝箱旁邊。艾麗莎（Alyssa）榮獲美國同性戀小姐桂冠，可可（Coco）獲得亞軍。由於一些不太清楚的原因，艾莉莎被迫放棄了她的王冠，可可繼承了王冠。雙方都心存怨恨，歷史上互相指責的歷史已經升級為對彼此真正的憤怒，並在車間裡充滿了叫喊和陰暗的對抗。這兩位皇后都有有它 -正式——彼此之間都希望對方離開自己的視線並被剝奪競爭資格。和那是為什麼節目強迫他們口型同步 Paula Abdul 的“Cold Hearted”為了送另一個回家就像是該死的現代啟示錄唇形同步。並不是表演本身讓它如此戲劇化——儘管他們都火了，而且這首歌也被選為對決的完美選擇——而是因為情感、怨恨和自我價值的問題如此沉重。

但憤怒和母愛並不是唯一可以解釋的情感，有時甚至可以用口型來解釋。變裝皇后秀光是觀看女王真正將一首歌曲演繹得淋漓盡致而獲得純粹的快樂，就會變得更高，例如迪達·裡茲（DiDa Ritz）發出了“這將是（永恆的愛）”幾乎不可能的歌詞就在歌手娜塔莉·科爾 (Natalie Cole) 的面前，她一看到女王就以如此生動和精確的方式詮釋她的歌曲，她被激動的情緒所吸引，引發了歡呼和 YAASes。拉特里斯（Latrice）對史詩般的口型同步有一些了解，她正確地評價了這一刻，“這是最好的高阻力。”

這些是一些最有趣的口型同步觀看變裝皇后秀，當表演者因表演的力量或情感而激動不已時，他們就會得到提升。這就是它真正變得神奇的時候——當技巧和即興創作在信心的浪潮中建立和上升時。具體來說，沒有什麼比觀看更好的了薄荷在她的“物質女孩”視頻中打扮成麥當娜瑪麗蓮夢露 (Marilyn Monroe) 身穿標誌性粉紅禮服演唱《鑽石是女孩最好的朋友》(Diamonds Are a Girl's Best Friend)紳士更喜歡金髮女郎半個多世紀前，完美地模仿了麥當娜「音樂」的節拍，瞄準了陷入困境的辛西婭·李·方丹。精準、即興創作、歌曲意義的重新混音——同時向二有史以來最具標誌性的金髮女郎，作為有色人種的跨性別女性。表演有如此多的層次，有如此多的方面在表演的表面和表面下發揮作用，將其變成令人內心興奮的觀看內容。這就是消滅口型同步的真正定義。

就像薄荷的霰彈槍一樣，卡梅隆·邁克爾斯和尤里卡在第十季中與帕蒂·拉貝爾的“新態度”對峙同時進行即興的並排跳躍分裂，時機如此完美，你會認為他們花了幾週的時間排練這是一種特殊類型的戲劇，是從口型同步挑戰中產生的——一種更加動態、基於身體的類型坦迪·伊曼·杜普雷 (Tandi Iman Dupree) 出色地完成了這種任務。正是這些精彩的詮釋時刻讓口型同步挑戰如此令人興奮——在尤里卡和卡麥隆的例子中，讓魯採取了非常不尋常的一步，不送任何人回家。

從假髮搶奪到雙臂屈伸，再到威廉的不朽名言“用[某人的]污點擦拭地板”，再到借用卡蒂亞的話“用力將我的陰道猛烈地撞到舞台上，以至於建築物都在搖晃”，口型同步變裝皇后秀傾向於以一種日益雜技和戲劇化的風格為中心，為半個世紀之久的變裝傳統注入更多的意義和戲劇性的賭注，這超出了任何人的預測，更不用說想像了，在在那個朦朧的、酒吧後面的日子裡，人們口耳相傳。
但在我們談論對口型如何成為變裝傳統之前，我們必須花點時間看看它在主流文化中是如何發展的。為什麼？現在就跟我們一起說：

變裝就是將主流文化重新利用成獨特的酷兒文化。

也因為各種形式的對口型故事成為了討論酷兒世界和主流世界中所定義的技巧和真實性問題的完美起點，並指出了偏執、階級主義、同性戀恐懼症和變性恐懼症是口型同步上升為變裝藝術形式的基礎。

是的。所有的那。

1929 年，米高梅電影公司即將創造歷史，發行了第一部有聲影片，這也是後來成為標誌性和流派定義的一系列音樂劇中的第一部。這部電影被稱為百老匯旋律 它在許多其他方面也具有歷史意義。它有一些電影歷史學家所說的第一個對觀眾清晰可見的同性戀男性角色的描述：一個服裝設計師，口齒不清，並且明顯提到了薰衣草，這是一個俚語典故到同性戀。這也是第一部利用作曲家阿瑟·弗里德的歌曲創作和音樂天賦的電影，也是第一部利用特藝彩色序列的米高梅電影，為弗里德的歌曲“彩繪娃娃的婚禮”的大製作而拍攝，這讓我們了解了電影的主題最重要的創新。米高梅高層對《彩繪娃娃》中的鏡頭和聲音的表現並不滿意，但他們不想放棄如此雄心勃勃的作品，因為它不僅有新穎的聲音，還有可能讓觀眾眼花繚亂。徹底震撼。工作室的聲音總監道格拉斯·希勒 (Douglas Shearer) 提出的建議對我們任何人來說似乎都是理所當然的，但它徹底改變了遊戲規則，並以大膽的現代方式理解電影媒介。他建議，與其在拍攝表演者的同時錄製聲音，不如完全不錄製聲音，讓歌手和舞者按照預先錄製的歌曲曲目進行表演。換句話說，他發明了對口型音樂表演。他簡單而出色的創新不僅挽救了這個數字，還可能幫助這部電影獲得了有史以來第一個授予音樂劇最佳影片的奧斯卡獎，並為迄今為止的電影音樂劇數字建立了行業標準。阿瑟·弗里德最終被任命為米高梅製片人，並繼續領導自己的同名部門 Freed Unit，該部門製作了從 1930 年代一直到 1950 年代一系列令人驚嘆的傳奇電影音樂劇。它們都以各自的方式成為傳奇作品，但其中最著名和最受好評的是 1952 年的作品雨中歌唱，情節很大程度上取決於…有聲電影早期口型同步的發展，這為我們帶來了這個小小的起源故事。

但對口型的發展不僅限於電影，電視在 20 世紀 50 年代才出現。電視是一種即時的新穎性，很快就成為一種主要趨勢，然後在第一個十年結束時徹底改變了文化的遊戲規則，電視是一種在早期被認為不如戲劇和電影形式的媒體，這就是為什麼如此多的早期電視轉而嘗試在美國的客廳裡播放表演出色的戲劇作品和成熟的現場綜藝節目的部分原因。電視行業迫切需要和渴望證明其藝術價值，這可能是為什麼儘管在電視的第一個十年裡有大量的音樂娛樂選擇，但口型同步在媒體上並不常見。正是 20 世紀 60 年代流行音樂發生的一系列巨大變化才讓電視作為媒介接受了它。但首先，我們來喝一杯雞尾酒。

1960 年代初期，美國數百家雞尾酒吧和夜總會安裝了一種名為 Scopitone 的音樂錄影帶早期雛形展示設備。從本質上講，它們是一個自動點唱機，可以在安裝在設備頂部的螢幕上以高度風格化的設定播放拍攝或錄影的歌手與他們的熱門歌曲的口型同步。它們從未像電視那樣成為爆炸性的新媒體，也從未突破相對有限的市場。但在那十年的大部分時間裡，數十位流行音樂表演者拍攝了某種形式的戲劇性口型同步表演，其中大多數至今仍然存在，其中一些實際上已經成為傳奇。Nancy Sinatra 1966 年的 Scopitone 短片“These Boots Are Made for Walkin'”確實是經典，並在 20 世紀 90 年代在 VH1 上大量輪播時被重新發現。黛比雷諾茲的短片《如果我有一把鐵鎚》當它在YouTube時代被重新發現時，它繼續成為現代坎普經典，即使只是因為她完全不適合材料和不協調的迷人舞台，這讓她穿著雞尾酒禮服走下一個巨大的太空時代懸空樓梯，高跟鞋和蓬鬆的髮型，同時活潑地盡力讓我們知道她計劃在這片土地上爭取正義。

這種愉快的消遣的要點是：出於風格和表演美學的原因，六十年代的流行音樂傾向於對口型（它允許主唱在歌曲中進行更多的舞蹈），並且在較小程度上，是為了回應一波未經訓練、風格符合時代的歌手佔領了排行榜。 Scopitones 是一種將口型同步標準化的早期方法，將其視為可以以經典電影音樂劇以外的形式欣賞的東西。 20 世紀 60 年代末和 70 年代初非常受歡迎的電視節目，如門基樂團和鷓鴣家族每集故事中都描繪了“現場”表演，整個演員陣容都對口型。同時，流行音樂展示了諸如美國演奏台和靈魂列車每週都會有一些當時最偉大的流行歌星出現，假裝對著道具麥克風唱他們的歌曲，而青少年們則在他們的節奏中，完全不為技巧所困擾，只要它有一個好的節拍並且他們可以跟著它跳舞。

1981 年，MTV 推出，在舞台上或在電視觀眾面前對口型流行音樂的慢慢規範化達到了完全飽和。音樂錄影帶以一種以前的形式沒有嘗試過的方式沉迷於對口型的技巧，有時使表演的人為方面成為音樂視頻的全部要點。同性戀歌手喬治·邁克爾可能已經將這種形式達到了對口型的高度他 1990 年的影片“自由！ '90，”其中，一系列當時最具代表性的超級名模與他的聲音對口型。

所有這些主流假唱形式——經典的好萊塢音樂劇、Scopitone 短片和音樂錄影帶、綜藝表演和情境喜劇，甚至梅西百貨感恩節遊行——都將假唱作為主流表演風格的理念正常化。多年來，觀眾和公眾曾多次對歌手現場表演和對口型產生負面反應，近年來最著名的一次是歌手演唱國歌。碧昂絲 (Beyoncé) 出席 2012 年歐巴馬總統就職典禮，她和她的團隊強烈否認這項指控。唯一一次被視為嚴重醜聞的是當歌手被發現與他人的聲音假唱時。這是主流大眾不喜歡的技巧，而且通常會引起強烈的反對，以至於它毀掉了 20 世紀 80 年代流行樂隊 Milli Vanilli 的職業生涯，同時也讓 C+ C Music 的製作人落敗。法庭，因為瑪莎·沃什（已故西爾維斯特的伴唱歌手Two Tons O’ Fun 和她自己的樂隊Weather Girls）起訴他們描繪了另一位女性用她標誌性的聲音說話（“現在大家跳舞吧！”）在「讓你流汗」的音樂影片。該案在庭外和解，瑪莎·沃什 (Martha Wash) 從此獲得了更多的榮譽。但重點很明確：大眾不喜歡「假」口型同步，當然，這正是拖曳口型同步。

就像酷兒文化的許多方面一樣，假唱作為變裝娛樂的一種形式，其根源並沒有特別詳細的記錄。我們可以大致判斷出專業層面的實踐是從什麼時候開始的。如果不出意外的話，錄音的發展及其普及程度可以為我們提供一個粗略的指導。金錢、騷擾和偏見是假唱在變裝作品中佔據主導地位的原因。歷史日曆上有大致的日期和原因的粗略輪廓，但變裝中對口型的起源並沒有「先驅」。沒有一個女王甚至一打女王可以指著說：「她就在那裡。女王穿上了裙子，放了一張唱片，並稱其為“表演”。這並不奇怪，因為正如我們所提到的，二十世紀石牆之前的酷兒文化有很多是在美國的偏僻空間和地下發展起來的——而且沒有歷史學家來記錄其中的大部分。

在二十世紀早期到中期的大部分時間裡，公共場合的易裝癖和異裝癖都以某種形式違法，而且各個縣、各個都會區的情況各不相同，這使得旅行變裝皇后的工作生活成為一種從未有過的生活。工作女王和她們的機構必須想出辦法來應對警察的突襲和騷擾。當然，她們並不總是成功，許多變裝皇后和表演變性女性都有從事她們的行業或實踐她們的真理的警方記錄。這種對舉辦變裝表演的場所持續威脅的結果是，許多音樂家集體不願意在這樣的場所演出。三色堇熱潮的興起和衰落、對迪斯科的真正暴力拒絕以及盛大的 20 世紀 90 年代的逐漸消失，凸顯了這種文化接受酷兒表演，然後根據政治和社會習俗的流沙拒絕它的趨勢。幾章中概述的拖曳力矩。

第二次世界大戰後，變裝表演場所和滑稽劇，如舊金山的 Finocchio's、西雅圖的真主花園和巡迴演出的 Jewel Box Revue，為願意放鬆一點的大部分異性戀觀眾提供了高端女性模仿娛樂 從 從大蕭條和世界大戰中倖存下來又如何？但隨著20 世紀50 年代的到來，麥卡錫主義成為一種政治運動和社會現象，隨著一種偏執的從眾形式變得越來越普遍，並試圖消除社會異端，文化上下發生了各種強烈的抵制。簡而言之，在一個只希望每個人都表現得「正常」並願意懲罰那些不這樣做的人的美國，舉辦變裝秀變得越來越困難。 1956 年，西雅圖傳奇的阿拉花園(Garden of Allah)，經常被認為是第一個公開為同性戀顧客開設的同性戀場所，在多年提供最好的變裝娛樂後，由於當地音樂家協會開始收取越來越昂貴的演出費，不得不關閉。正是在這種氛圍下，對口型表演在變裝界變得更加突出。對口型，就像許多酷兒藝術和表達形式一樣，直接源自於壓迫、偏執和騷擾，並對其做出反應。

多年來，「唱片表演」被視為最低級、最業餘的變裝形式。花了數年時間完善女性發聲技巧的皇后們嘲笑口型同步表演，因為他們沒有天賦和藝術性，而且不努力就偽造了效果。這不僅僅是變裝階級主義的表現——儘管可以肯定地說這是其中的一部分。對口型在 20 世紀 50 年代末的急劇興起為變裝世界帶來了巨大的變化，讓許多很少或根本沒有接受過表演藝術訓練的表演者可以走上舞台，假裝自己的真心。

在女同性戀人類學家埃絲特·牛頓 (Esther Newton) 1972 年關於她對變裝皇后研究的革命性著作中，母親營，她採訪的女王們對唱片表演的看法非常明確，並指出此類節目的製作成本很低，因為參與其中的女王們的報酬比其他表演者低得多。正如一位女王告訴她的那樣，這是業內普遍表達的觀點：“任何人都可以發表唱片。”

但發起並推廣這種表演的皇后們是出於階級、性別表現和實用性的原因而這樣做的。首先，與流行女歌手對口型是女性模仿者幫助他們實現幻覺的另一種工具，就像緊身胸衣、假髮和填充物一樣。畢竟，他們並沒有與貓王和披頭四樂團對口型。早期的變裝假唱更多的是大嗓門的歌舞表演和火炬歌手，他們戲劇性的聲樂風格適合廣泛的動作和戲劇性的詮釋——通常會產生故意幽默的效果。

其次，即使在音樂家協會和警察加大在更迷人的大城市場所舉辦現場變裝表演的難度之前，二十世紀上半葉某個小鎮上的小型地下同性戀酒吧和酷兒家庭派對也並不存在。有時，在同性戀酒吧或酒吧放一張唱片，或播放點唱機，女王就能透過對口型來獲得零星的掌聲。僅出於這個原因，我們認為可以公平地說，在小型同性戀酒吧和遠離城市的酷兒聚會場所中正在發生某種形式的變裝假唱，這些地方在同性戀興起之前幾乎沒有現場娛樂選擇。世紀50 年代末和60 年代初開始專業實踐。

從維多利亞時代一直到石牆時代，家庭聚會都是常見的酷兒聚會場所，而且它們往往是跨性別和酷兒在社區中表達自己的唯一場所。記錄這些常見社交聚會的材料並不多——每個參加聚會的人都以某種形式違反了法律——但多年來，私人照片藏品一直在酷兒家庭聚會中表現出強烈的變裝元素。因為在沒有電唱機的情況下舉辦家庭聚會是沒有意義的（現場音樂可能會因為噪音違規而報警），所以這種元素的組合——一個寬鬆而安全的空間，裡面有變裝皇后、各種酷兒、音樂、酒精，可能還有派對毒品——這意味著早在 20 世紀 30 年代，可能就有很多變裝皇后在同齡人的掌聲中假唱。他們只是不是專業人士，在社交圈之外也不出名。這是推測，但問問自己：你有嗎？曾經參加過一個家庭聚會，當音樂變好或他們開始熱鬧時，有人沒有對口型同步嗎？

但並非所有早期的專業口型同步都是以音樂為背景的。有一段時間，20 世紀 60 年代唱片藝人中比較流行的變裝表演是由菲利斯迪勒 (Phyllis Diller) 等流行女性單口喜劇演員她的經典造型包括狂野的頭髮、大量的眼線、歌劇手套、羽毛和煙嘴，幾乎是六十年代中期所有女性演員中最接近喜劇的裝扮，這使她成為女性模仿者中非常受歡迎的選擇。在母親營在埃絲特·牛頓（Esther Newton）中，描述了執行此類行為的女王如何經常使用她的身體和道具為女性漫畫的笑話賦予更骯髒或下流的含義，並指出此類行為的“典型策略」是如何「吸引人們對生殖器區域的注意」 」當墜入愛河的話題變成了笑話，並在不適當的時候舉起潤滑劑瓶或保險套時。另一種常見的錄音喜劇形式是表演一首火熱的心碎歌曲，同時變裝成一個懷孕的“墮落女人”形象，通常以在歌曲結束時一個娃娃從女王裙子下掉出來而告終。嘿，還記得我們說過拉特里斯·羅亞爾（Latrice Royale）對準媽媽艾瑞莎·富蘭克林（Aretha Franklin）與她未出生的孩子對口型的美麗描繪代表了過去半個世紀變裝藝術的進步嗎？就是這樣——從取笑女性的廉價笑話到純粹表達母愛和渴望，在截然不同的時間利用完全相同的技術達到不同的效果。

在矮胖羅伯茲的《1967》中女性模仿者手冊這位老姑娘以她典型的直率方式就“喜劇啞劇”的問題提出了一些看法：

在默劇領域，一種被稱為唱片喜劇的喜劇演員已嶄露頭角。 （最近，這也是與迷人類型的模仿者一起完成的，但從專業標準來看，應該僅限於喜劇。）顧名思義，留聲機或錄音製品構成了他的作品的基礎。舞台下播放一段流行的滑稽錄音，模仿者默默地念出歌詞，並用啞劇滑稽的方式表達歌詞的含義。這可能是一個嶄露頭角的喜劇演員第一次冒險的令人滿意的方式。然而，這種情況不應該持續到他的職業生涯中，因為現場娛樂表演將他納入職業範圍。

關於這一切，有兩件事：儘管Pudgy 暗示口型同步純粹是業餘愛好者的——這是當時的傳統想法，並且在今天仍然有一些共鳴——直到今天，口語口型同步一直是這種形式的一個重要子集。其次，普吉將其稱為啞劇是正確的，暗示了一些關於口型同步很少表達的東西：它的最佳演繹和表演構成了一種先進且高度細緻的啞劇形式。

回到十九世紀的歌舞雜耍時代，有像朱利安·埃爾廷格這樣的變裝表演者為觀眾提供了一個晚上的歌曲和戲劇表演。正如我們希望現在已經證明的那樣，變裝的歷史充滿了各種類型的才華橫溢的表演者和藝術家——演員、歌手、舞者、印象派和漫畫家。其中有變裝雜耍者、魔術師、脫衣舞孃和噴火者。如果有什麼事情可以在舞台上完成並且人們願意付費觀看，那麼變裝皇后就做到了。

從這個角度來看，表演皇后們看不起假唱的原因也許是可以理解的。但在不玷污我們許多酷兒變裝祖母和阿姨的記憶的情況下，他們並沒有像我們今天那樣看待它——我們並不是說他們應該承認對口型是一種藝術形式我們現在就承認它。現代口型同步更加重視性能，在中世紀電唱機揚聲器上使用比老式 78 LP 更好的設備。不，不同的是，前幾代的女王不一定專注於拖曳自己作為一種藝術形式。我們的意思是，任何變裝的人都在練習變裝的特定藝術形式。她們在舞台上所做的事情決定了她們是哪種類型的女王，以及她們所做的事情的能力。

假唱女王正在表演她的藝術，這就是假唱女王的藝術。有些變裝皇后選擇對口型作為他們表演的一部分，不是因為他們不能做任何其他事情，而是因為這是最能激發他們靈感的變裝形式。對於許多女王來說，提供女​​人的聲音從男人嘴裡發出的錯覺，與塑造臉部輪廓並戴上假髮來提供這種錯覺沒有什麼不同。尤其是一位變裝藝術家，他將口型同步提升到了以前未曾考慮和想像的水平，永遠消除了任何認為口型同步女王正在練習低級變裝形式的想法。

Lypsinka 是音樂表演者約翰艾普森(John Epperson) 創作的傳奇變裝作品，她成為口型同步藝術的代名詞，不僅因為她的名字，還因為她使用標誌性歌舞表演、電影和電視節目中的歌曲和對話精心進行口型同步表演。 ，所創造的體驗成為對二十世紀女性媒介形象的嚴厲評論。他筆下的人物充滿了一種咧著嘴笑、睜大眼睛的中世紀歌舞表演或電視女主持人的魅力和對生活的渴望，但他們也是一根繃緊而脆弱的電線，隨時準備折斷，接聽無窮無盡的電話鈴聲。觀看他在20 世紀80 年代早期紐約酒吧的一些表演，就會明白對口型的全部原因——空間狹小，沒有音響設備或音樂家，只有一個變裝男孩，在舞台上展現出高超的魅力和女性幻覺。他並沒有發明對口型作為變裝的一部分，也不是第一個將其變成藝術的人，但他是這種形式最著名的傳播者，他擁護並體現了變裝表演者作為合法藝術家的想法。在 Lypsinka 之前，對口型被視為一種廉價的變裝形式。在她之後，它不僅被認為是一種受人尊敬的表演類型，而且是一種可以接近高藝術地位的表達形式。

儘管愛普森顯然很喜歡銀幕女主角，但他的主要靈感來自於多洛雷斯·格雷和凱·湯普森等歌舞表演者，他們都是中世紀歌手，個性鮮明，聲音洪亮。她的高級時尚復古造型的靈感來自中世紀傳奇時裝模特兒 Dovima 和 Veruschka，他們也為 Lypsinka 的名字提供了靈感。 Lypsinka 能夠以神韻、風格和精確度對中世紀女歌手進行口型同步，同時進行完美的舞台編排，甚至在歌曲中進行服裝變化，她也許因口語口型同步而更為人所知——這是正確的。在這些作品中，他的女主角們的獨白越來越歇斯底里，經常對著一連串的鈴聲（但實際上並不存在，因為愛普森在啞劇方面極具天賦）喊出一些片段，她們的憤怒、恐懼和痛苦升級為原始的女性尖叫聲。她對口型的演唱部分充滿了活力和虛張聲勢，就像好萊塢黃金時代的歌舞女主角，寬闊的手勢，翹起的臀部，四分之三轉的腳的位置，並對後排微笑。

約翰·埃普森(John Epperson) 表示，萊普辛卡是作為他自己的憤怒和創傷的化身而創造的，他在密西西比州黑茲爾赫斯特長大，是一個敏感、富有表現力的同性戀男孩，經常受到周圍社區的貶低和欺凌。由於他對演藝事業的熱愛，他感覺自己在自己的家庭中就像一個局外人，而他周圍的人似乎沒有分享這一點。他談到因在電影中模仿娜塔莉·伍德而被打屁股吉普賽人作為一個孩子。他稱萊普辛卡為煽動者和“紅髮怪物”，暗指她充滿憤怒，但也充滿自信。你沒有太多方法可以聲稱兩者之間有聯繫，因為你不會發現兩個風格上相差甚遠的變裝藝術家，但Epperson 的Lypsinka 非常像敏感、受欺負的格倫·米爾斯特德( Glenn Milstead)，又稱神聖(Divine) 的另一個自我。兩人都透過變裝藝術來表達和表現憤怒，但實現方式卻截然不同。艾普森稱他的表演很做作，並且與觀眾保持距離。透過依靠模仿和技巧，Lypsinka 能夠在一場演出中循環使用多達40 個不同的女性聲音，並且仍然能夠傳達一個女人的連貫形象，與外部力量作鬥爭，不斷地響起電話——而且常常無法保持住。

萊普辛卡當過模特，走秀，在戲劇和電影中表演，寫戲劇和表演歌舞表演，在大型場館和小型同性戀酒吧表演，偶爾還模仿瓊·克勞馥和其他女主角的無可挑剔的變裝表演。她在做所有這些事情的同時，提升並集中了對口型藝術。在很多方面，儘管約翰·埃普森（John Epperson）不喜歡這個詞，但 Lypsinka 可以被認為是這二十世紀末二十一世紀初的超級變裝女王，將高雅風格、音樂才華、表演、舞蹈、名人模仿和對口型都融合在同一個迷人迷人的身材中。很少有變裝表演者能夠跨越如此多不同的變裝風格，並能達到她的水平——Ru、Divine、Lady Bunny、Jim Bailey 或 Charles Pierce、Leigh Bowery 或 Julian Eltinge 都沒有。幾十年來，萊普辛卡一直被譽為一位偉大的藝術家，但也許是由於她自己不願意接受這個詞，她從未真正得到應有的現代變裝皇后發展中的傳奇人物的稱號。

Sasha Velor 認為 Lypsinka 是對她影響最大的人之一，任何見過她的人都應該清楚這一點第十季結局對口型表演惠妮休斯頓的《So Emotional》在這場表演中，她以一種看起來非常像利普辛卡式的憤怒的顫抖的姿勢摘下假髮，引起了人群的起立鼓掌，紅色的玫瑰花瓣從下面掉落下來，就像一些浪漫的、慢動作的血霧。自從獲勝以來，Sasha 一直在努力證明自己是 Lypsinka 的當之無愧的繼任者（應該說，Lypsinka 不會很快離開任何地方），她的長期運行的項目包括睡衣Lypsinka 曾在布魯克林表演的滑稽劇以及她 2019 年的演出煙霧與鏡子，這揭示了她對口型表演的藝術性和複雜性。 Sasha Velor 認為 Lypsinka 發明了現代變裝，這對她來說並不誇張。萊普辛卡在她的作品中涵蓋了現代變裝的所有部分，然後將它們提升到了更高的地位。我們之前說沒有對口型的先驅，這是錯的。大約二十五年後，這種形式成為變裝界的必備禮儀，像萊普辛卡這樣的人就出現了，並將其變成了藝術。

從傳奇兒童作者：湯姆‧費茲傑拉(Tom Fitzgerald) 與洛倫佐‧馬爾克斯(Lorenzo Marquez)，由企鵝圖書公司(Penguin Books) 出版，企鵝出版社是企鵝蘭登書屋(Penguin Random House, LLC ) 旗下部門企鵝出版集團(Penguin Publishing Group) 的旗下品牌。版權所有 © 2020 湯姆·菲茨杰拉德和洛倫佐·馬爾克斯。