'Tại cổng vĩnh cửu': Đánh giá Venice

Giám đốc. Julian Schnabel. Mỹ/Pháp. 2018. 112 phút.

Vincent Van Gogh có thể đã bị bỏ qua trong cuộc đời mình, nhưng ông khó có thể phàn nàn về việc bị điện ảnh bỏ rơi. Cuộc đời của ông thực tế đã cung cấp một tiểu thể loại phim tiểu sử của riêng nó, từ tác phẩm của Vincente Minelli.Ham muốn cuộc sốngtới Maurice PialatVan GoghVà của Robert AltmanVincent và Theo, thông qua đánh giá thấp của Paul CoxVincent, tập trung vào những bức thư của họa sĩ gửi cho anh trai mình; chúng tôi thậm chí còn có phiên bản hoạt hình các bức tranh của anh ấy vào năm ngoáiVincent yêu thương. Người xem có thể cảm thấy một cách chính đáng rằng họ đã nhìn thấy đôi lông mày đội mũ rơm dày vò của Van Gogh khá đủ và biết mọi ngóc ngách trong căn phòng của ông ở Arles.

Nhiều hình ảnh có cảm giác quá quen thuộc, cả từ chính những bức tranh và bộ phim mà chúng lấy cảm hứng, và thường có vẻ như chúng ta đang nhìn thấy hình ảnh tương đương với các phiên bản bìa theo tiêu chuẩn lỗi thời.

Cái gìTại cổng vĩnh cửucó thể đưa ra, lần đầu tiên, cái nhìn của một nghệ sĩ về chủ đề này, với họa sĩ và đạo diễn Julian Schnabel hướng con mắt đặc biệt về mặt phong cách của mình về Van Gogh trong tác phẩm viễn tưởng thứ năm của ông (và bộ phim tiểu sử nghệ sĩ thứ hai của ông, sau tác phẩm đầu tay năm 1996 của ông).basquiat). Tuy nhiên, bất chấp diễn xuất mạnh mẽ và có sức ảnh hưởng của Willem Dafoe – người thậm chí còn hơn cả Kirk Douglas hay ngôi sao Jacques Dutronc của Pialat, trông sinh ra để phù hợp với vai diễn – phong cách biên tập và hình ảnh mạnh mẽ của đạo diễn không bao giờ truyền tải được cảm xúc mạnh mẽ cho bộ phim truyền hình năm 2007 của ông.Chuông lặn và con bướm. Bộ ba Schnabel, Dafoe và chàng trai Hà Lan bi thảm sẽ mang lại uy tín vừa phải cho giới nghệ thuật và có lẽ là giải thưởng cho ngôi sao của nó, nhưng mang lại chút hứng thú hoặc cái nhìn sâu sắc mới mẻ.

Được đặt theo tên một bức tranh của Van Gogh – hay còn gọi là 'Ông già buồn bã' - bộ phim tập trung vào thời gian làm việc hiệu quả nhưng đầy đau khổ của người nghệ sĩ ở Arles vào cuối những năm 1880, cho đến cuối đời. Tuy nhiên, nó bắt đầu ở Paris, nơi Van Gogh, được coi là một người ngoài cuộc nhút nhát, hay lo lắng, có cuộc gặp gỡ đầu tiên với Paul Gauguin thô lỗ, tự tin – do Oscar Isaac thủ vai với tính cách vênh váo cướp biển. Tham gia cùng anh ở phía nam, Gauguin đóng vai lương tâm nghệ thuật, đối thủ và người bạn đồng hành ngang tàng của Vincent.

Vincent được một số người ở nhà nuôi của anh chấp nhận, đặc biệt là bà chủ nhà ủng hộ anh, chủ quán cà phê Madame Ginoux (Emmanuelle Seigner), nhưng bị những người khác từ chối và hiểu lầm – như trong một cảnh cường điệu, thậm chí kỳ cục trong đó một nhóm học sinh và giáo viên phán xét của họ ( Anne Consigny) thực sự bối rối trước bức tranh vẽ rễ cây của ông. Bị người dân địa phương ném đá như một kẻ điên, Vincent ngày càng giống một nhân vật tử vì đạo, được so sánh một cách trực quan và thậm chí một cách công khai trong cuộc đối thoại với Chúa Giê-su (một nhân vật người ngoài bị hiểu lầm khác mà Dafoe đã đóng trong quá khứ).

Vincent có thể phụ thuộc vào sự hỗ trợ của người anh trai buôn tranh Theo (Rupert Friend) và những người dân địa phương thông cảm như Tiến sĩ Gachet (Mathieu Amalric), nhưng đau khổ và rắc rối về tinh thần vẫn tiếp tục: và một trong những điểm nhấn cá nhân của bộ phim là tập trung vào phần cuối của nó. các giai đoạn trong câu thần chú của anh ta tại trại tị nạn tâm thần Saint-Paul, nơi một cựu quân nhân có hình xăm trên khuôn mặt bị quấy rầy (Niels Arestrup, trong một bước ngoặt mặn mà, rộng rãi) kể lại trải nghiệm của chính anh ta về một loại kinh dị khác.

Một trong những quyết định lập dị hơn của Schnabel trong phim là chuyển đổi không liên tục giữa các ngôn ngữ, dẫn đến việc các diễn viên người Pháp thường nói tiếng Anh một cách vụng về bằng giọng riêng của họ, trong khi Dafoe đôi khi được nghe nói tiếng Pháp khá cứng nhắc. Điều gây mất tập trung không kém là quyết định sửa đổi các bức chân dung nổi tiếng của Van Gogh để chúng giống rõ ràng với các diễn viên đóng vai người mẫu của ông - để bức tranh của Gachet trở thành một bức chân dung rõ ràng và khá hài hước của Mathieu Amalric với bộ ria mép và mũ lưỡi trai.

Những nét vẽ lịch sử-nghệ thuật khác có vẻ đẹp đẽ và táo bạo hơn. Phải có một họa sĩ như Schnabel mới mang đến cho chúng ta những nghiên cứu thuyết phục về nét vẽ của Van Gogh, khi màu vẽ chạm vào khung vẽ ở cự ly gần, từng nét một. Một sự đổi mới khác là tập trung vào các bản phác thảo bằng bút mực vừa được phát hiện gần đây, chú thích cuối cho chúng ta biết, trong một cuốn sổ cái do Madame Ginoux đưa cho Van Gogh (mặc dù đã có tranh luận về tính xác thực của chúng).

Khía cạnh đặc biệt nhất của bộ phim là sự gợi lên trải nghiệm nội tâm của Van Gogh với tư cách là một họa sĩ, được gợi lên trong tác phẩm quay phim tự do của Benoît Delhomme, một phần trong phong cách đạo diễn đặc trưng của Schnabel, có lẽ được mô tả rõ nhất là 'Chủ nghĩa Ấn tượng Cơ bắp'. Bộ phim có thể có tựa đềHam muốn ánh sángnhấn mạnh vào màu sắc, với các biến thể màu sắc nổi bật – tương phản với các gam màu xanh đậm, vàng, xanh lục – lấp đầy màn hình.

Một đoạn văn ảm đạm, nhuốm màu ở phần đầu, cho thấy những cánh đồng hoa hướng dương khô cằn, cho thấy thành tựu có tầm nhìn xa trông rộng của Van Gogh là mang lại màu sắc mãnh liệt cho một thế giới nơi nó không phải lúc nào cũng hiển hiện rõ ràng đối với mắt thường (như bằng chứng cho tuyên bố của ông, “My thực tế gần gũi hơn với thực tế của thế giới”). Tuy nhiên, nhiều hình ảnh có cảm giác quá quen thuộc, cả từ chính những bức tranh và bộ phim mà chúng lấy cảm hứng, và thường có vẻ như chúng ta đang thấy sự tương đương về mặt hình ảnh của các phiên bản bìa, tuy nhiên có phong cách riêng, theo những tiêu chuẩn lâu đời.

Mặt khác, bộ phim dựa vào màn trình diễn của nó và Dafoe tạo ra một trọng tâm hấp dẫn. Anh ấy mang đến cho chủ đề của mình một phẩm chất vụng về của một cậu bé lạc lõng, thậm chí là một chiều hướng 'thánh ngốc', và thể hiện cường độ tinh thần, khi người nghệ sĩ khuất phục trước nỗi thống khổ và sự ngây ngất của một lễ hiển linh ngoài trời trên cánh đồng Provence - một khả năng có thể xảy ra. khoảnh khắc đau đớn mà ít diễn viên nào có thể thực hiện được một cách tự tin như vậy. Nhưng kịch bản - do cựu chiến binh huyền thoại Jean-Claude Carrière đồng sáng tác, thoáng qua trong một vai khách mời nhỏ - không phải lúc nào cũng phát huy được hiệu quả tốt nhất của diễn viên, như được chứng kiến ​​bằng cảnh nghị luận trang trọng với một linh mục: Mads Mikkelsen, ủ rũ đóng vai Dostoevsky -style Grand Inquisitor cho nghệ sĩ giống như Chúa Kitô. Một số phân cảnh theo quan điểm của Vincent, với các diễn viên nhìn thẳng vào máy quay, mang lại cảm giác đối đầu gay gắt.

Một bản nhạc của Tatiana Lisovskaya – chủ yếu là solo piano, thỉnh thoảng có violin – được sử dụng quá mức, nhưng vẫn rất đặc biệt, sự cấp bách của ostinato của nó là một phép ẩn dụ âm thanh thích hợp cho sự dày vò của Vincent.