傑克安東諾夫在 Bleachers 的新專輯中創作了可愛的音樂，但他聽起來從未對自己失去信心

傑克安東諾夫象徵性地離開自動點唱機，播放自己的音樂。 螢幕截圖:Youtube

在音樂上，有很多值得喜歡的地方消除週六晚上的悲傷是 Bleachers 的第三張專輯，本質上是傑克安東諾夫的單人樂團（儘管這次樂團的巡迴成員也加入了他的錄音室）。這位音樂家兼製作人對80 年代風格流行音樂的喜愛依然未減，合成器、法國號、薩克斯風等音樂不斷出現，伴隨著Hall & Oates 風格的吉他聲音和編曲，讓人想起Me Decade 的Billboard熱門歌曲。他的大鉤子技巧並沒有誤入歧途：無論是《Big Life》中狡猾的、模仿說話頭的副歌，《Stop Making This Hurt》中節奏的舞池喊唱，還是童謠簡單的輕柔搖擺的原聲小曲“秘密生活”，幾乎每首歌都有一個能夠牢牢地紮進你大腦的主歌或副歌部分。

那麼，為什麼安東諾夫對自己在為這種音樂發聲中所扮演的角色從來沒有那麼確定過呢？專輯中的幾乎每一次聲樂表演都像是一首示範曲目，不知何故找到了最終產品的方式。巧妙的抒情對句、人物研究敘事和赤裸裸的懺悔都被埋沒在混合中，或者一次又一次地以笨拙的方式進行調整，通常帶有足夠的混響，讓邁克爾·斯蒂普羨慕有多少音節被吞沒。這顯然是一個經過深思熟慮的選擇，但其效果卻是一種深刻的疏遠：這是一位才華橫溢的藝術家，他創作了整張專輯的頌歌，充滿了渴望、逃避和對更好事物的希望，但當它結束時，你會感覺與自己的聯繫越來越少。就好像多年來與那些把歌聲放在第一位的流行歌星合作已經把他推到了自己音樂的邊緣。

其中一些是安東諾夫一直應用於自己聲音的相同錄音技術的結果。坦白說，他是一位不太優秀的歌手，音域相當有限，因此他充分利用了錄音室的魔法來修飾自己有時乏善可陳的表演：想想通往成功的橋樑。現在已經走了在《Everybody Lost Somebody》中，他聽起來像是從錄音室隔壁的浴室裡進來的，或者是《Goodbye》中的自動調音，甚至是《Wild Heart》中他聲音的無盡層次感， Bleachers 首張專輯中的第一首曲目。在所有這些情況下，效果都是為了加強和放大人聲，靈活地適應以創建安東諾夫演唱的最可行的版本，他會根據歌曲的要求經常進行相應的調整。

但在這裡，他從來沒有想過要增加自己的聲音來改善歌曲，而只是提供足夠的聲音來向聽眾保證，是的，這是一首流行歌曲。有時這只是很糟糕：他在“唐人街”的入口是如此軟弱，超出了他的範圍，以至於當布魯斯·斯普林斯汀後來進來並展示一個真正的歌手可以用這些材料做什麼時，你幾乎為安東諾夫感到難過。 （聽者認為他們也會埋葬如此微弱的聲樂表演，這是可以理解的。）但這種趨勢一再重複，從破壞他在“Big Life”中原本紮實的表演的高音skronk，到他大肆渲染的空曠、夢幻般的效果正如他在《Don’t Go Dark》中所說的話，壓制了任何可能爆發的能量或動力。整體印像是一個相信他的音樂而不是他的聲音的人，這是一種疏遠的效果。

這條規則的最大例外（也有一些）是專輯開場曲“91”，其中音樂支持強大的主唱，反之亦然。根據採訪，這是唱片上最古老的曲目之一，它幫助塑造了該項目的後續願景，因此也許它保留了他紮實的聲音製作能力，只是逐漸導致瞭如此強大的工程技術的衰退。還有其他一些成功的作品：《How Dare You Want More》充滿了Bleachers 早期作品的熱情洋溢的流行和嘶嘶聲，而《45》是一首活潑的原聲歌曲，喚起了人們對老派Bright Eyes 的回憶。但這些都是唱片最終結果的彎路，唱片無法找到一種讓它的歌詞歌唱的方法。在過去的幾年裡，安東諾夫幫助許多流行歌手找到了他們最具標誌性的聲音；也許是時候讓他們中的一個人回報他的恩情了，因為看台樂隊的音樂大師聽起來他可能需要幫助。