史上最偉大的 100 首情感歌曲

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「春之祭早在這個詞出現之前就已經存在了，而且他們討厭它。」
——音樂家兼活動家珍妮·圖米 (Jenni Toomey) 代表安迪·格林沃爾德 (Andy Greenwald) 旗下的第一支情緒樂隊發言感覺沒什麼好

“這是我一生中聽過的最愚蠢的事情。”
——伊恩·麥凱 (Ian MacKaye) 1987 年談“emo-core”

讓我們把這一切歸咎於華盛頓特區——它永遠不會過時。第一個已知的用法情緒化可以追溯到 20 世紀 80 年代中期，當時“emo-core”是“情感硬核”的簡寫，這個標籤適用於在所謂的“革命之夏”期間偏離 DC 朋克的男子氣概侵略性的一波樂隊。他們的共同點是：更強調旋律、動態，還有歌詞情懷。其中包括《Rites of Spring》和《Embrace》，它們在解散前各自發行了一張同名專輯，為情緒樂團的未來設定了聲音和職業模板（並且，從上述陳述來看，也表明了樂團應該對樂團抱持的普遍態度）「情緒」一詞本身）。

在過去的 35 年裡，emo 的含義幾乎完全顛倒了——它更可能意味著公共話語中的“硬核情感”，超越了朋克甚至音樂本身，成為任何由一種雙曲和表現性的悲傷。德雷克很情緒化，權力的遊戲是情緒，海灘男孩和莎士比亞是情緒，卡夫通心粉和起司是情緒。現在它已成為流行文化中的一個固定概念和一種有彈性的表達方式。還有什麼比被指責過於嚴肅同時又令人痛苦的自我意識的流派更能吸引青少年呢？ Minor Threat 的 Ian MacKaye 最終因《Fugazi》而出名，他聲稱 emo 是“我一生中聽過的最愚蠢的事情”，他被視為道德晴雨表，從那時起，這句話就被重複了幾乎每個情緒搖滾樂團都認可這項殊榮。任何人或任何事都可以是情緒化的，但幾乎沒有人聲稱自己做到了。

所有這些都使得創建「100首最偉大的情緒歌曲」清單顯得既必要又幾乎不可能正確完成。一方面，這種流派長期以來一直被拒絕進行嚴肅的批判性評估，經常被視為青少年音樂而被忽視，但從未受到專門為青少年設計的流行音樂的慷慨迴旋餘地或同情心。但與垃圾搖滾、哥德音樂或從一組明確的聲音特徵演變為時尚現象的任何其他子流派不同，「情緒音樂」的定義要么太狹窄，要么太模糊，以至於幾乎完全無用。只要花時間在「真正的情緒」之戰的戰壕里，你就會相信 Rites of Spring 和 Cap'n Jazz 是唯一屬於這個名單的樂團。參加一般的 Emo Night 時，您可能會想知道為什麼 Linkin Park 或 Evanence 缺席了。

當我們著手定義此清單的參數時，我們商定的一個指導原則是，只要有疑問，就傳回原始定義。沒有人會將 Dashboard Confessional、Jimmy Eat World 或 Fall Out Boy 與 Dag Nasty 或任何其他硬核樂團混淆。然而，他們都是從青年團體場景、教堂、郊區地下室和VFW 大廳的DIY 表演中脫穎而出的：克里斯·卡拉巴(Chris Carrabba) 在專注於Dashboard Confessional 之前，曾在New Found Glory 樂隊中擔任吉他手，並擔任佛羅裡達情節劇作家Further Seems Forever 的主唱。吉米美食世界 (Jimmy Eat World) 與 Jebediah 和 Christie Front Drive 分道揚鑣，即使他們已經加入了一個大廠牌；皮特溫茨 (Pete Wentz) 出現在芝加哥郊區的硬核音樂圈中，在 Arma Angelus 和 Racetraitor 等樂團中演奏。

我們發現使用「波浪」作為組織原則很有幫助，儘管仍然存在大量重疊和不完美的邊界。第一波浪潮從1983 年到1987 年左右從華盛頓特區開始，然後它慢慢地開始向其他有影響力的地區蔓延，在那些地方它可能被認為是後硬核、純粹的朋克或只是普通的ol'「獨立搖滾」－如聖地牙哥、太平洋西北地區、灣區，當然還有華盛頓特區。雖然 Jawbox、Drive Like Jehu 和 Jawbreaker 等樂團當時並不常被稱為“emo”，而且他們很可能全心全意地拒絕這個術語，但如果沒有他們的貢獻，就無法想像這一流派的發展軌跡。

第二波幾乎是「中西部情緒」的代名詞，始於第一張也是唯一一張 Cap'n Jazz 專輯（看到這些經典樂團的趨勢了嗎？）。儘管以硬核的速度和強度進行遊戲，施馬普恩施馬茲（他們首次亮相時常用的極其笨重的標題的替代品）將情緒搖滾從第一波自以為嚴肅且常常粗暴的語調轉變為一種更有趣、更有旋律、更廣闊的聲音，不再受龐克搖滾的束縛。 Cap'n Jazz 於 1995 年解散，擴大了情緒搖滾的譜系。金塞拉(Tim Kinsella) 創立了聖女貞德(Joan of Arc)，這是一個自由形式的團體，創作了一系列令人難以置信的抽象藝術搖滾作品，培養了忠實的粉絲群，並在整個場景中引起了數十年的共鳴。吉他手 Victor Villareal 的 Ghosts and Vodka 專案預計 emo 會被器樂後搖滾所吸收。鼓手Mike Kinsella 創立了American Football，這支樂團製作了一張廣受好評的EP 和同名專輯，隨後於1999 年解散，並在15 年後重聚，當時蓬勃發展的「情緒復興」將他們重塑為現代獨立搖滾的主導影響力之一。

與此同時，Cap'n Jazz 吉他手戴維·馮·博倫(Davey Von Bohlen) 搬到了密爾沃基，並創辦了Promise Ring，以更直接的方式引領了這一流派的發展，像Braid、Rainer Maria 、the Get Up Kids 和Boys 等新興樂隊一樣生活中的共同情感在中西部的大型大學城中得到了特別的磨練：立即令人愉悅的強力流行音樂以焦慮的節奏和嘶啞的聲音演奏，不僅僅是一點書卷氣和非常迷戀。

但即使在定情戒指出現前類型定義 感覺沒什麼好隨著 EMO 音樂的出現，它開始慢慢開始與主流另類搖滾融合，儘管並沒有立即帶來豐厚的回報。《Texas is the Reason》和《Mineral》成為吉米·艾歐文(Jimmy Iovine) 和克萊夫·戴維斯(Clive Davis) 之間七位數競購戰的目標，但在發行大廠牌唱片之前，兩家公司都因樂團內部衝突而崩潰。經過多年的反企業情緒後，Jawbreaker 與 DGC 的 Weezer 和 Beck 成為廠牌夥伴，然後製作了他們的最後一張專輯，親愛的你, 和杜基製片羅布·卡瓦洛。「溫和地說，人們並不喜歡那個主要唱片公司的唱片，」布蘭登·斯托蘇伊在一篇發光的乾草叉文章中寫道在重新發行他們之前的專輯時，24小時復仇療法。「我當時的女朋友把我給她的宣傳盒帶砸碎了，然後厭惡地走開了。人們對光鮮亮麗的作品感到震驚：老實說，我在我工作的唱片店裡看到一個有 Jawbreaker 紋身的男人在哭泣。與此同時，Capitol 收購了 Jimmy Eat World，但在發行了兩張商業上表現不佳的 LP 後又放棄了它們。然後是威澤的平克頓,繼他們取得巨大成功之後，對里弗斯·科莫的性心理神經症進行了嚴厲而抒情的挖掘藍色專輯並被著名的 1996 年第三差專輯稱為滾石.

但到了本世紀末，感覺沒什麼好讓我們得以一窺情緒搖滾如何以自己的方式蓬勃發展。 Promise Ring 是特拉華州 Jade Tree Records 的旗艦樂隊，該樂隊還發行了 Pedro the Lion、Lifetime 和 Alkaline Trio 的重要專輯。 Vagrant Records 將樂團帶往更流行的方向，推出了 Dashboard Confessional、Saves the Day 和 Get Up Kids，所有這些樂團都使情緒搖滾和更商業化的流行龐克之間的融合更加完整。

然後，在 2001 年，Jimmy Eat World 的“The Middle”下降為流血美國的第二張單曲，不可逆轉地改變了人們的生活泰勒絲以及無數其他青少年。那一年，《中間人》和《尖叫的不忠》打開了一扇門，但很快就會被來自新澤西和長島的孩子們撞上，他們似乎將周圍的環境內在化，並將其向外投射。 Brand New、Taking Back Sunday、the Movielife 和 the Starting Line 等樂團更加激進、更加自信，更具“東海岸情感”，標誌著情緒搖滾第三波的興起。

Washed Up Emo 的不知疲倦的倡導者和檔案保管員 Tom Mullen 稱其為“emo”“頭髮金屬”你可以隨心所欲地解釋這一點：雖然這波樂團在很大程度上會因為他們荒謬的、不對稱的髮型而被人們記住，假的-閹割人聲和荒謬的視頻概念，就像髮絲金屬一樣，情緒搖滾在早期成為流行搖滾音樂的主導甚至決定性形式。摔倒男孩，恐慌！ At the Disco、Paramore 和 My Chemical Romance 成為世界上最大的樂團之一。這就是 emo 本身的主導定義的形成過程，它是由 MySpace 頁面設計、Hot Topic、Warped Tour 和 MTV2 的某種組合形成的。有足夠這份名單表彰了這一階段的巨大影響力和影響力——這些樂團不僅是音樂迷的切入點時期對於許多青少年來說，但他們中的許多人提供了通往情緒搖滾根源或不太受關注的同齡人的大門。 Fall Out Boy 的Decaydence 廠牌推出了一張Lifetime 專輯，以大聲呼喊，而Hayley Williams 則為mewithoutYou 和American Football 客串演唱，並將佛羅裡達州蓋恩斯維爾的數學流行神童Pool Kids 的Spotify 粉絲數增加了三倍。一篇 Instagram 貼文。

但普遍的共識是，這一波浪潮可能對先前的每一波浪潮弊大於利和後。在公眾眼中，情緒搖滾將變得與金屬核、流行朋克、螃蟹核、搖滾核以及其他東西沒有區別。這是。即使在其表面上的黃金時代，Emo 也從未被認真對待過，就像髮絲金屬一樣，通常幼稚的抒情內容和幾乎完全缺乏突出的女性聲音，使Emo 被認為是隱含的甚至是徹底的厭女症。

隨著時間的推移，越來越多的真相浮出水面，說明這些批評到底有多少必要，而這就是我們必須解決投票過程中做出的最困難決定的地方——如何處理全新的。艾瑪·加蘭在我們最初的投票過程中寫道：“當藝術家的音樂拯救了生命，但他們的行為卻給他人造成瞭如此大的傷害時，我們已經考慮瞭如何處理這樣的問題。” “[以及]針對主唱傑西·萊西 (Jesse Lacey) 的指控，詳細描述了從所涉女性 18 歲以下開始的多年性剝削，正確地將 Brand New 納入任何文化經典中受到審查。”

也許在某種程度上，Brand New 樂團的地位僅僅因為粉絲和同儕壓力而被瓦解，這表明了最近一波情緒化浪潮中發生的價值觀轉變——人們普遍認為這種轉變是為了彌補前一波情緒造成的損害。接近本世紀末，情緒搖滾領域最大的樂團開始陷入停滯或解體。《Panic at the Disco》去掉了感嘆號，發布了受到好評的披頭四 cosplay漂亮的。奇怪的。隨著《帕拉摩爾》的發行，《帕拉摩爾》開始分裂。全新的眼睛。《打倒男孩》在 2009 年停播三年前舉辦了最後一場演出，不久之後，《我的化學羅曼史》的解散迫在眉睫。那時，情緒搖滾已經幾乎完全脫離了它的DIY 和硬核根源，像Warped Tour 和Alternative Press 這樣的機構——曾經可靠地紮根於朋克理想，但有著令人驚訝的多樣化考慮——艱難地轉向「場景」報道。

一直以來，一群樂團都在以 Cap'n Jazz 和 American Football 的形像在新英格蘭、德克薩斯州、西維吉尼亞州、芝加哥，尤其是芝加哥的地下室和室內演出中重建情緒搖滾。費城。在 Twitter、Tumblr 和 Mediafire 交易留言板以及一系列重要唱片公司的推動下，Algernon Cadwallader 和 Snowing 等鬥志旺盛的樂團成為小傳奇（並在幾年內解散），而 Tigers Jaw、Joyce 《Manor》、《Title Fight》和許多其他遊戲開始在幾乎沒有主流媒體報道的情況下發展出令人印象深刻的龐大而虔誠的粉絲群。當「獨立」出版物開始毫不掩飾地向流行名人屈服時，這種最不時尚的獨立搖滾形式開始蓬勃發展，而「獨立搖滾」可能指的是大廠牌支持的合成流行樂演奏，這似乎並不是巧合。但一旦它做過隨著「情緒復興」開始受到更多主流媒體的關注，「情緒復興」一詞在實際開始大約四到五年後被創造出來。

與第二波浪潮類似，許多最受尊敬的情緒復興樂團留下了一些小型且不可或缺的唱片，這些唱片直到多年後才被充分欣賞。不像在 90 年代末，沒有人對這些樂團會取得任何形式的商業成功抱持任何幻想，因為基本上不搖滾樂團可以。情緒-饒舌歌手,另一方面，經常將MySpace 時代最具爭議性的品質——可怕的紋身和髮型、與前女友對抗的遊樂場旋律和誇張的抑鬱症——轉變為一種創新的、對抗性的流行音樂形式，適合在串流媒體上長大的一代，製作人將自己定位在串流媒體上繼承《美式足球》、《礦產》、《全新》和《可愛的死亡出租車》的血統，透過採樣它們的精髓而不是複製它們的即興演奏。這種現象的最佳例證是Lil Peep 和Juice WRLD，這兩位藝術家都偶爾創作出超凡脫俗的流行音樂，也體現了情緒搖滾最受詬病的刻板印象，但在21 歲時因吸毒過量而悲慘去世，留下了不朽而複雜的藝術遺產。

2015年，Brand New得以讓他們的偶像Built to Spill為他們開放，一年後，他們與Modest Mouse進行了一場以前不可思議的聯合巡演，這看起來一點也不奇怪。 Cloud Nothings 2012 年專輯對記憶的攻擊聽起來像是 Steve Albini 製作的 Get Up Kids 專輯，但這兩個樂團在獨立搖滾的可信度上已經無法再被剔除；不幸的是，他們計劃的今年秋天的巡演被推遲了。 Braid、the Anniversary、Hey Mercedes 和 Mineral 等深受人們喜愛的樂隊重新組合，取得了成功，而 Jawbreaker 和 American Football 在向觀眾演出 20 年後，3,000 個可容納的房間售罄。

最重要的是，情緒搖滾已經開始培養一種社會良知，它反對人們對情緒搖滾的刻板印象，即郊區男人抱怨分手的工具，以及它是一種非政治性、完全孤立的流派的觀點。這些不討人喜歡的方面仍然存在（因為它們幾乎存在於所有形式的流行音樂中），並且許多自稱盟友的樂隊在受到可信的瀆職指控後已被取消。同時，許多最著名的情緒搖滾樂團都真誠地談論心理健康、性侵犯和政治行動，同時透過巡迴演出中的慈善捐款支持這些事業。同樣，大多數樂隊、聽眾和唱片公司都在認真地嘗試擴大自己的範圍，以超越佔據該列表大多數的白人直男的範圍，以便四五個全男性樂隊巡演的日子成為過去。

在這個過程中，以情緒搖滾引導吉他為主的獨立搖滾音樂從雙臂交叉、輕聲細語的類型轉向我經常看到的「感覺東西」音樂。當今許多最有前途、最傑出的藝人——Camp Cope、Mitski、Jay Som、Phoebe Bridgers、Snail Mail，凡是你能想到的——可能都不適合我們的定義，但與此列表中的頻段不超過一級分離。雖然「閃爍」和「閃光朋克」等一度充滿傳統思想的次流派的興奮在本世紀末逐漸消退，但《玻璃海灘》、《老爹與鬣狗》和《摺紙天使》等，僅舉幾例，卻激發了2019 年的新一代，無所畏懼地對這種類型進行了雜食性的嘗試，這在兩年前還是不可想像的。未來此類清單很可能會按照他們的形象塑造，這是一件令人興奮的事情。但現在，我們將介紹由我們最喜歡的 100 首歌曲塑造的情緒搖滾的簡史。

100. 森林，《玉子》(2016)

在過去的二十年裡，亞洲一直在穩步策劃自己的情緒復興。中國的中國足球和日本的瀑布是 YouTube 兔子洞的完美切入點，樂團受到關注腳趾的影響力並躍向未知的地平線。在非洲大陸的新作物中，新加坡的三重森林擁有最具感染力的精神。三人組合的突破性單曲《Tamago》中，他們一邊用手指敲擊著自己的頭，一邊大喊著熬夜、親熱看鞋、咒罵暗戀對象的完美。這是一個非美國情緒樂隊的完美例子，他們喜歡我們的小學生幽默（“操你！/她就是這麼說的”），同時討厭我們在這一流派中的無處不在（“操這些來自中西部的歌曲”）。對於一個起源故事不斷受到爭議、藝術家被視為當地名人的流派來說，森林只是想提醒大家，情緒搖滾存在於西方邊界之外。難怪人山人海尖叫這些歌詞回到他們身邊就像一種開墾行為——他們確信情緒搖滾將繼續存在，而不僅僅是在北美。 —妮娜·科科倫

99. Jejune，「今天下午的病」（1998）

很少有唱片像 Jejune 的第二張也是最後一張專輯一樣，今天下午的病，將閃閃發光的 Smiths-y 獨立流行音樂、情緒搖滾和鞋履風格編織成一條辮子。主打歌的形狀在三者之間變換，吉他嘆息，然後膨脹，然後在喬·格維拉和阿拉貝拉·哈里森甜蜜而不穩定的和聲下像突然出現的山脈一樣聳立起來。它和唱片中的其他歌曲都是 90 年代中期情緒雜食性的象徵：每隔幾分鐘，它們似乎就會打開一個新的空間和聲音。 —布拉德·尼爾森

98. Van Pelt，「Nanzen Kills a Cat」（1997）。

情緒搖滾之所以蓬勃發展，是因為它的變形能力——不僅是在幾十年的時間裡，而且是在同一年裡，因為各種亞流派放鬆了把關。當 emo 在 90 年代與獨立搖滾和後硬核融合時，它幫助催生了該流派最簡單的標識符：如果它感覺 emo，那麼它可能是 emo。當他的兄弟Ted Leo 在龐克樂團中演奏時，Chris Leo 於1993 年與紐約大學的一些同學一起組成了Van Pelt。 7 吋的樂團。就像永遠憂鬱的孩子蜘蛛樂園和葉子在你體內轉動、《南禪殺貓》都是不完美的人聲、不緊不慢的樂器。空氣中飄著稀疏的吉他旋律，而裡歐總是從他嘴裡吐出永遠跑調的歌詞，就好像他第一次讀詩一樣。一旦他關於存在主義的哲學漫談達到麻木的頂峰，吉他就會重疊並收縮，將他以及聽眾的最後一滴恐懼擠出來。 —妮娜·科科倫

97. 科普蘭，《當寶拉火花時》(2003)

亞倫馬許 (Aaron Marsh) 創作了科普蘭的首張專輯，藥樹下，作為一首關於疾病和死亡的歌曲組曲，其核心歌曲“當寶拉火花”喚起了坐在某人醫院病床旁過夜的無形夢遊感。作品詭異地重建了那種氣氛，睡眠和清醒之間的界限消失了，吉他在遠處發光，如此遙遠，以至於看起來不真實。「月亮，現在就睡吧，」馬什唱道，彷彿對著某個遙不可及的人唱著。在這種經常受到心痛影響的流派中，《當寶拉火花》因其對悲傷最深刻、最豐富的審視而脫穎而出。 —布拉德·尼爾森

96. 恐慌！在迪斯可舞廳，「說謊是女孩在不脫衣服的情況下可以獲得的最大樂趣」（2005）

恐慌之前！ at the Disco 實際上成為 Brandon Urie 的個人項目，早在“I Write Sins Not Tragedies”成為模因之前，他們就已經是眾多純粹主義者無法控制的 MySpace 情緒樂隊之一。在他們演出《Panic!》之前就與 Pete Wentz 的 Decaydance 唱片公司簽約。迪斯可舞廳的音樂具有工業工廠的所有特徵，而且考慮到它們戲劇化、流行的聲音，很容易將它們完全駁回。儘管他們會繼續取得更大的成功，但「說謊是女孩不脫衣服就能享受到的最有趣的事情」一直對情緒精英主義者來說就像是一根橄欖枝。那裡有很容易識別的對 Anniversary 或 Get Up Kids 等樂隊的致敬發高燒出不出汗，《Lying Is the Most Fun》是一首內斂、充滿電子色彩的歌曲，在 Urie 充滿舞台的聲樂中構建出無可否認的副歌。《Lying Is the Most Fun》證明，現在所有關於樂團真誠的討論都比 2005 年更荒謬；你創作出這麼好的情緒歌曲絕非偶然。 —大衛安東尼

95. 爸爸們，「狗屎雙胞胎」(2012)

就像這十年來的許多情緒復興歌曲一樣，《Shit Twins》感覺就像是用螺絲擰緊的經典美式足球剪輯：吉他扭曲成不同的星座，歌詞逐漸呼喚出一段前性的插曲，這只會加劇孤獨感圍繞著兩個相關的人。但這是爸爸們創作歌曲的智慧才讓它變得特別。吸引人的鉤子將所有單獨的旋轉部件固定在一起。隨著《Shit Twins》的副歌變得越來越激烈，人們開始感覺到有人終於以思想螺旋的形式寫了一首情緒歌曲。這種強度的半衰期往往很短；爸爸們在分手前只製作了兩張這種自我扭曲的情緒專輯。 —布拉德·尼爾森

94. Evergreen，《一對蜷縮在一起的照片》（1994）

Evergreen 接續了 Hated 的腳步，探索 emocore 下一步的發展方向。這支南加州樂團並沒有完全嘗試這種類型，而是允許自己放慢腳步。在他們的首張專輯中，七首歌，三人組介紹了這個廣闊的，假的- 開場白「一對蜷縮在一起的照片」的馬虎做法。開頭是幾段遙遠而蜿蜒的吉他線，後來被推到令人眼花繚亂的連復段和加速的副歌中。歌詞提供了背景——主角盯著老照片，無法擺脫他腦海中的一個難題——而音樂提供了細節，將原本貧瘠的個人曲目變成了一場情節戲劇性的、令人產生共鳴的敘述。「A Couple Curled Up Pictures」將 Evergreen 介紹為一支可以將後硬核轉變為親密關係的樂隊，自 1997 年結束以來，它仍然具有低迷的影響力，部分原因是鼓手 Jason Boesel 繼續為樂隊演奏Rilo Kiley 和Bright Eyes 在接下來的十年裡。 —妮娜·科科倫

93.摺紙天使，《神秘博士》（2019）

如果說 Origami Angel 在他們短暫的合作時間裡證明了什麼的話，那就是情緒樂團不再需要對他們的影響力如此挑剔。賴蘭·希吉(Ryland Heagy) 和帕特·多爾蒂(Pat Doherty) 用兩分鐘的時間總結了過去二十年的情緒搖滾，《神秘博士》以其他人無法想像的方式統一了其最喧鬧的傾向。從經典的Fall Out Boy 唱片中汲取的人聲旋律和靈活的吉他彈奏讓人回想起Algernon Cadwallader 最棘手的部分，樂隊的所有決定都充滿了無畏的精神，而《Doctor Whomst》展示了這些東西可以如何完美地結合在一起。這是情感搖滾歷史上任何其他時期都不可能存在的歌曲，它一如既往地證明了這一流派正在以新的、有趣的方式擴展。 —大衛安東尼

92. 犀牛撞車，「Opener」（2013）

粗糙的聲音和猛烈的鼓聲，《犀牛的撞擊》聽起來像是剛從沉睡中醒來，同時又像是從未睡著。《Opener》實際上並不是他們上一張專輯的第一首歌曲，但它完美地介紹了這支英國樂隊的聲音，進而介紹了他們喜歡的樂隊：Jawbreaker、Burning Airlines 以及Dischord 上的大多數樂隊。這在音樂上相當於一場家庭表演的觀眾發狂，每個人輪流爬到另一個人身上，抓住麥克風，對著領頭的人尖叫歌詞，然後其他人搶過麥克風做同樣的事情。儘管人們很容易將他們樸實的龐克演唱風格視為這首歌的最大魅力，但鼓手奧利·克雷文(Oli Craven)和他不間斷的填充讓“Opener”的魯莽能量得以延續，無論你聽過多少次。隨著新一代情緒搖滾選擇精妙的製作、流行龐克歌曲結構或閃爍的數學搖滾，越來越少找到一支樂團讓早期情緒搖滾的聲音聽起來如此重要。 —妮娜·科科倫

91.埃塞爾‧梅瑟夫，《直布羅陀華爾滋》(1995)

在龐克搖滾的空虛中歡樂谷，Ethel Meserve 找到了一種新穎的方式來綜合情緒搖滾、數學搖滾和後硬核音樂。當其他人炫耀棘手的變化和意想不到的節奏時，這群朋友卻用他們唯一的專輯和幾張 7 英寸的單曲技術複雜的旋律。沒有一首歌能像《直布羅陀華爾滋》那樣體現他們的這一點。樂團交替拍號並軟化拉音，無需引起注意。它光滑而有凝聚力，就像數學搖滾一樣，悄悄地展現了複雜的方式。與粉絲最喜歡的“Calba’s Last”不同，這首特定的歌曲聽起來比埃塞爾·梅瑟夫之前的錄音更清晰、更清晰，當他們在遠處尖叫時，這會營造出一層壓抑的狂熱。這是一種微妙的流派平衡，令人印象深刻，最引人注目的是，它影響了尖叫寵兒 Saetia，她將其比作“瘋狂低調的火箭科學”並深情地認為這對他們的首張專輯產生了影響。 —妮娜·科科倫

90. Los Campesinos!，「大海是思考未來的好地方」（2010）

十年來，洛斯坎佩西諾斯！從瞬間獲得好評，到巡演乾草叉親愛的，以及公開的人行道崇拜公開競選納入 EMO 經典，同時倡導新一代他們直接影響了— 意思是自稱的「英國第一支也是唯一一支情緒搖滾樂團」與這個名單上的幾乎所有其他樂團都相反。他們轉向老年政治家的方式始於 2010 年的主打單曲“The Sea Is a Good Place to Think of the Future”浪漫是無聊的，他們最具爭議的專輯，以及恰如其分的鼓手 Tom Campesinos！聲稱“激發了大多數紋身和 Tumblrs 的靈感。”近五分鐘不間斷的潮汐後搖，Gareth Campesinos！講述了一個女孩在 14 歲時失去母親的狂熱獨白，並試圖在她遭受的各種形式的虐待中找到更深層的意義。它就像“你！我！跳舞！一種新的深刻的同理心無邊無際的灰色海洋提醒著他們自己在宇宙中的渺小。用 2000 年代中期一位未來的 MySpace 同行的話來說，唯一的區別是獨立搖滾和情緒搖滾之間是媒體報道。英國和國外無數的情緒搖滾樂團將鐘琴、啦啦隊的聲音以及關於性和足球的各種坦率、聰明和粗俗的歌詞結合在一起，證明了洛斯坎佩斯諾斯！右圖：《大海是思考未來的好地方》是未來類型的經典之作，儘管沒有人真正知道該怎麼稱呼它。 —伊恩·科恩

89.《舊物》，《墨味》（2002）

隨著情緒搖滾在早期的爆發，流行朋克的流行達到頂峰，而二手音樂人發現自己正好處於這兩種聲音之間的中間點。眾所周知，直到約翰費爾德曼 (John Feldmann) 聽到樂隊的聲音並讓他們與 Reprise 簽約之前，猶他州四人組從未離開過他們的家鄉。到時候二手的於 2002 年上映，他們能夠充分利用上述兩個場景所發生的時刻。《墨水的味道》很快就開始了，現場歌手伯特·麥克拉肯(Bert McCracken) 在奎因·奧爾曼(Quinn Allman) 的開場吉他連復段中跳來跳去，帶著一種看著我的眩暈感。這首歌的旋律幾乎是為廣播而製作的，但它帶有足夠的左轉和一種誠實的興奮感，以至於現在和當時一樣難以抗拒。 —大衛安東尼

88. Shotmaker，《天空》（1996）

如果您喜歡帶有撕破喉嚨的尖叫聲和壓倒性低音的情緒搖滾，Shotmaker 樂隊就是您的最佳選擇。加拿大有史以來最具攻擊性的三重奏組因其強度而被（而且無論如何，經常被）稱為硬核樂隊，但他們對過度戲劇性的天賦理所當然地為他們贏得了情緒搖滾的標籤。聽《Sky》，很明顯他們不僅擅長扭曲的連複段或血腥的尖叫，而且在他們的音量中有一種不祥的強度感：我們現在就在這裡，就在這裡，不管誰站在場上。道路。有一種感覺，他們全力以赴，因為他們知道結局即將到來——在發布之後老鼠耳朵【勿忘我】1996 年，Shotmaker 宣布退出——儘管他們很可能只是在發洩情緒。因為天空太黯淡而向天空宣告死亡是憂鬱症的一個地獄隱喻，而這首歌的結局的崩潰感覺就像他們最終成功地把它推倒了。 —妮娜·科科倫

87. 帝國！帝國！（我是一個孤獨的莊園），「保留你在這裡建造的東西」（2009）

基斯·拉丁寧 (Keith Latinen) 和凱西·拉丁寧 (Cathy Latinen) 是情緒復興運動的無名英雄。位於密西根州芬頓的 Count Your Lucky Stars 確實是這對夫妻的愛情結晶——也許是第一個將情緒搖滾第四波浪潮組織成連貫敘事的唱片公司，但從未獲得同行的讚譽或成功，培養了在其他地方聲名狼藉的樂團（Foxing、Into It.、Over It.、Moving Mountains），還有許許多多的樂團只是稍微錯過了他們的機會：Brave Bird、Joie de Vivre、Two Knights、Football等等.、安娜貝爾、商船和拉丁人自己的帝國！帝國！（我是一個孤獨的莊園）。如果不是因為以下事實，他們將純粹出於情感原因而合理地列入此列表：如何前進確實比 2009 年的地下室場景還要高聳；「保留你在這裡建造的東西」是他們辯證法的一個典範，其中巨大的規模和手工製作的脆弱性結合在一起，就像一座由鞋盒立體模型製成的摩天大樓。

儘管大多數E!E!(IWALE) 的同齡人為休眠的形式帶來了生機，但拉丁人改寫了歷史，將情緒想像為中期獨立搖滾熱情洋溢、真誠的極簡主義的邏輯延伸：熱切的男女歌手、連續不斷的歌手歌曲標題、珍貴的概念策略、大量音樂和抒情感嘆號，基本上都是蘇菲揚史蒂文斯的密西根州與停止-開始，後硬核吉他。如今，從以下位置畫一條直線並不奇怪葬禮，破碎的社交場景，和《狼遊行到世界是一個美麗的地方，我不再害怕死》、《狐狸》和《酒店老闆》，所以不要讓 E!E!(IWALE) 的謙虛介紹欺騙了您：如何前進完全名副其實，這是一支樂隊的大膽指示，遺憾的是，他們領先了他們的時代幾年。 —伊恩·科恩

86. 胡佛，「伊萊克斯」(1994)

《Electrolux》是90 年代早期emo 中最舒展、最迷人的歌曲之一，它以膨脹、振動的低音線開頭，形成了一個不斷變寬的迴旋，使歌曲不斷轉入。 Fugazi歌曲，但胡佛的音樂有一種額外的自由感，一種更多地繼承自爵士樂和配音的寬容，而不是硬核嚴格的侵略性飲食。當吉他旋轉並幹擾凹槽的遞歸滑動時，樂隊聽起來充滿了無限的可能性，棲息在無限空間的邊緣。弗雷德·厄斯金（Fred Erskine）演奏的小號音符在低音線周圍萌芽——他後來將這種方法帶到了後胡佛時代的樂隊，如June of 44 和Abilene——吉他手亞歷山大·杜納姆（Alexander Dunham）尖叫著支離破碎的短語，拒絕連接：「攜帶你自己的！ /你自己去吧！儘管胡佛很像富加茲，但富加茲從來沒有走這麼遠。 —布拉德·尼爾森

85. Coheed 和 Cambria，「A Favor House Atlantic」（2003 年）

照片：Getty Images/2005 提姆莫森菲爾德

2003 年，MTV2 的普通觀眾可能會在“Bring Me to Life”、“Somewhere I Belong”和“Girl’s Not Grey”之間看到愚蠢的“A Favor House Atlantic”視頻，並認為Coheed 和Cambria 存在於相似的空間中。這並非完全不準確。克勞迪奧·桑切斯(Claudio Sanchez) 的唇環和吱吱玩具般的聲音，和聲吉他上的Aqua Net 光澤——在新金屬、商場哥特和情緒流行音樂開始融合到不久的將來的廣播中時，這些都相當普遍。但我們假設這位休閒觀眾來到了百思買，並沒有從看到的標題中得到提示保守寂靜地球的秘密：3在 CD 封面上。這是那個高聳的鉤子由天才解釋：「這是對克勞迪奧·基爾甘農 (Claudio Kilgannon) 與他的 IRO-Bot 表弟蔡斯 (Chase) 一起展現真正實力那一刻的描述。他們背誦了《甘斯格萊德之書》中的一段話，開始了一系列必鬚髮生的事件，以結束天堂柵欄上的所有生命（太陽係由78 顆行星組成，按三角形順序排列，由能量場將其連接在一起）最好的視覺描述是 Coheed 和 Cambria 標誌）。

大多數情緒搖滾樂團透過頑固地堅持自己的DIY 根基或轉向獨立搖滾來應對其流派缺乏可信度，而Coheed 和Cambria 卻走上了相反的方向，將他們的觀星後硬核與Rush 永無止境休止的數學方程式融合在一起。任何 Coheed 粉絲別無選擇，只能愛他們將前衛音樂和情緒音樂融為一體，為 Circa Survive、Dear Hunter 甚至是研發-熱愛Foxing，最近為他們開放。但對於那些選擇保持休閒觀眾的人來說，還有《A Favor House Atlantic》，它將軍械庫戰爭偷偷地變成了一首流行歌曲的緊湊特洛伊木馬。 —伊恩·科恩

84. Appleseed 演員陣容，《反思》(2001)

這份名單並沒有真正為 Appleseed Cast 帶來任何好處——畢竟，它只允許長期運行的堪薩斯變形者的一個版本獲得榮譽。應該是來自中西部的情緒純粹主義者嗎？魔戒戰爭的結束幾年後，他們以《In Circles》中的歌詞為自己命名？海洋獨立搖滾生命之海？他們對無邊無際的環境音樂或簡潔的另類搖滾的嘗試怎麼樣？或者，只是「反思」怎麼樣？它回答了“以上所有問題”。工作室版本提供六分鐘的雙無邊際泳池深度體驗低級貓頭鷹，卷。 1和2、這張雙唱片將這一流派推向了一個更令人興奮的高度，同時流行的情緒形式被吸收到 Clear Channel 廣播中。在現場表演中，Appleseed Cast 允許「On Reflection」保持開放式，無論是濃縮還是擴展，添加獨奏或剪裁詩句——這是一張專輯的教學大綱，實際上，這支樂隊在20 年後仍未窮盡其秘密。 —伊恩·科恩

83. Swing Kids，「Blue Note」（1994）

其中包括 Unbroken 的 Eric Allen、專輯 Leaf 的 Jimmy LaValle 和 [ 的 Justin Pearson ]插入有影響力的樂隊的詳細清單太長，無法在此處列出]，《Swing Kids》將社會政治歌詞與混亂的歌曲結構和書呆子的外觀結合在一起，後來被稱為“斯波克搖滾”（他們顯然討厭這一點）。由於這些原因，皮爾森經常被稱為90 年代的伊恩·麥凱(Ian MacKaye)，你也可以對《Blue Note》的吐槽歌詞感到同樣強烈的挫敗感：「我很遺憾地說，但這不是結束了/我以前經歷過它/我一定會再次經歷它/但它怎麼會發生/一次又一次被槍擊/也許是因為我們都那麼不完整。

1994 年成立後，Swing Kids 在1998 年艾倫自殺後停止了創作新音樂，其餘成員繼續演出兩場慈善演出以及隨後於2009 年和2011 年的重聚。的那樣，Swing Kids 的壽命很長。皮爾森的聲音介於海洛因的形成特質和美國夢魘的更強大的硬核之間，他的聲音純粹是憤怒的爆發，而音樂並不是為了建立節奏，而是為了提供一堵噪音之牆來讓自己對抗。這是一種極端的風景，後來成為 Pearson 唱片公司 Three One G 的非官方聲音，它為我們帶來了《Blood Brothers》和《炸毀艾菲爾鐵塔的陰謀》中的經典作品。儘管如此，正如皮爾森的回憶錄所證明的那樣，《Swing Kids》可以說對《拒絕》產生了最大的影響。龐克的未來形態Swing Kids 開創的爵士樂、搖擺樂和硬核音樂的融合，得到了比應有的更多的讚譽。聽聽《Blue Note》，你就能看出這種緊張感的營造和釋放風格源自何處，但沒有兩場風暴是相同的，Swing Kids 唱片中的震撼力也是無法重現的。 —艾瑪嘉蘭

82.男孩的生活，「紅色消防車」(1995)

演出間隙的空曠、瀝青上閃爍的熱氣、電線在頭頂嗡嗡作響、火車喇叭在遠處鳴響——Boys Life 的第二張專輯，1995 年出發和降落，在其歌曲中反映了美國中西部開放空間的所有內容；這是一張罕見的專輯，讓一支小型、短暫的情緒樂團顯得充滿神秘又奇異的光芒。開場曲「Fire Engine Red」是唱片中最集中的能量爆發，吉他和人聲從混音中翻滾而出，似乎在為自己道歉。儘管他們在發行僅一年後就解散了出港，你可以在整個清單中聽到《Boys Life》，甚至在《Taking Back Sunday》歌曲的歌曲之間的間隙中；它們的影響力就像無線電塔之間的訊號一樣無形地輻射出去。 —布拉德·尼爾森

81. 最後的願望，《我的另一半》(1986)

在 Rites of Spring 解散和重組為 Happy Go Licky 之間的短暫時間內，出現了 One Last Wish。 One Last Wish 擁有四分之三的 Rites of Spring 成員和 Embrace 成員，實際上是第一個情緒超級團體，儘管華盛頓特區之外沒有人知道這一點。樂團於 1986 年錄製了一張專輯，當混音完成時，他們已經解散了。這張專輯一直被擱置到 1999 年，從很多方面來說，《One Last Wish》感覺有點像 emo 缺失的一環。《My Better Half》是對 Smiths 和 REM 流行的那種刺耳的流行音樂的俏皮演繹，聽起來幾乎像是現代 Joyce Manor 唱片的起點。這些失落的遺物在現在看來似乎無關緊要，但“最後一個願望”聽起來仍然至關重要，而像“My Better Half”這樣的歌曲展示了蓋伊·皮喬托(Guy Picciotto)和布倫丹·坎蒂(Brendan Canty)基本上沒有走過的路線，他們很快就改變了世界的面貌。 —大衛安東尼

80. Castevet，《伯溫和布林莫爾之間》(2008)

很少有情緒搖滾樂團能夠像 Castevet（後來稱為 CSTVT）那樣能夠以同樣的方式表達宏偉。這是有道理的，因為樂團的每個成員現在都在金屬或硬核樂團中演奏（Bongripper、Stay Asleep、Sea of Shit 和 Rectal Hygienics），但是當 Castevet 發行時夏季圍欄，芝加哥表演對另一種沉重感感興趣。專輯的開場曲《Between Berwyn and Bryn Mawr》節奏緩慢，Nick Wakim 和 Will McEvilly 的吉他相互碰撞，直到 Josh Snader 敲出一段完美時機的鼓伴奏，將歌曲帶入第一節。這首歌主要是器樂性的，瓦基姆深沉的風箱被明智地使用，只在絕對正確的時刻出現。所有這一切都足以讓“Berwyn and Bryn Mawr”脫穎而出，但真正震撼世界的結局是樂隊釋放了他們對尚未有人知道的重音樂的迷戀，這使得它變成了一種敬畏。 —大衛安東尼

79. 鍋爐工，「慢下來」（1996）

20 世紀 90 年代，隨著 Drive Like Jehu、Honeywell 和 Pinback 的出現，聖地牙哥的情緒音樂場景已經成熟。儘管 Boilermaker 在 Ché Café 或 La Paloma 等當地場所廣為人知，但三人組從未在全國範圍內得到應有的回報，無論是在他們存在期間還是 emo 最近的複興。在《Slow Down》這首關於時間流逝的冰川民謠中，他們寬敞的吉他像海潮一樣滾滾而來，一段關於人際關係中誠實的對話錄音逐漸消失在歌曲打哈欠的結尾中。樂團主唱兼貝斯手特林杜菲 (Terrin Durfey) 的言辭有些麻木。他唱的每一個模糊的短語都帶著一種憂鬱的感覺，尤其是副歌部分：“沒有足夠的時間來完成任何事情。”杜菲在《慢下來》中並沒有說太多，但他的話語的傳達感覺就像一個巨大的重量，就好像他在前面加載了無形的含義，讓音樂本身實時進行翻譯。 —妮娜·科科倫

78. mewithoutYou，「我是狼！（和影子）」（2006）

給自我厭惡提供舞台，它會毀掉眼前的一切。作為 mewithoutYou 最被低估和最激烈的歌曲之一，“我是狼！（和影子）」闡明了這種複雜的張力。歌手亞倫·韋斯（Aaron Weiss）渴望暴露自己是披著羊皮的狼，因為他的身體身份與精神身份背道而馳。自始至終，他都對自己貶低自己的方式保持著自我印象。「我是狼，」他唱道。 “不，’影子’，我認為更好/因為我不是什麼東西/更像是某物的缺席。”喉音般的低音滑音和不祥的吉他線相互碰撞，當韋斯大聲喊叫時，他們像敵對的蜜蜂一樣在韋斯周圍蜂擁而至。他能找到的唯一內心的平靜就是知道世界即將終結，洗掉他自己和他舌頭上每一個聰明的、自我厭惡的俏皮話。 —妮娜·科科倫

77. 海洛因，《意義更少》（1993）

海洛因 (Heroin) 在 1989 年至 1994 年間發行了 19 首完整歌曲，但他們的唱片目錄是如此明確，可以單獨作為《尖叫》的開始和結束。他們的歌曲在不到一個小時的時間內概括了這一流派（當時），從一種情緒轉變到另一種情緒的速度比喜怒無常的天氣還要快，前一秒拋出厚重的垃圾搖滾即興重複段，下一秒就斷斷續續地敲鼓。《Meaning Less》以聽起來像是夢幻般的老電影原聲帶的樣本開始，逐漸走向欣快感——一層層強勁的吉他奮力拼湊出一些旋律和弦，這些和弦會響起反饋——然後又急速下降到九個地獄的層次並直接融入另一首歌，沒有提供結論。

實際上，任何數量的海洛因歌曲都可以出現在這個列表中，但“Meaning Less”說明了瘋狂但鬆散的尖叫聲，這些尖叫聲將繼續激勵像Thursday和From First to Last這樣的樂隊，並為San奠定了藍圖。就足以讓你經歷這一切——將情感和意義歸因於你不做的事情甚至不一定需要將手指放在上面。 —艾瑪嘉蘭

76. 彭福爾德，「我會帶你去任何地方」 (1998)

這個清單中的許多歌曲都具有巨大而緩慢的構建，你幾乎可以指責情緒搖滾是一種漸強的流派。《I'll Take You Everywhere》是其中最好的一首：吉他音色蒼白、透明，像落葉一樣在空氣中攪動。整首歌都是秋天的，一幅慢動作的、鐵鏽色空虛的肖像。然後吉他變厚，鼓聲逐漸加速，和弦開始相互遊動，感覺和節奏變得如此尖銳，幾乎有可能直接變成流行朋克。這就是情感情緒的概括：一種被拉長的渴望感，然後崩潰為精神崩潰。 —布拉德·尼爾森

75. La Dispute，《最後失落的大陸》（2008）

La Dispute 是過去十年中最獨特、最雄心勃勃的樂團之一。選擇將第一張專輯以有關天界女神和農場男孩的日本傳說為基礎，並在其中加入文學參考，在專輯中，“親愛的”這個詞的出現頻率比羅斯說“傑克”的頻率還要高。泰坦尼克號,然後進行 12 分鐘的史詩般的表演，因為對於一支聲音更傳統的樂隊來說，謝幕是一個大膽的舉動，但對於 La Dispute 來說，它不可能走任何其他路。爵士樂、布魯斯、口語、尖叫和前衛搖滾都受到其影響，織女星和牛郎星之間河底的某個地方情感上比聲音上更情緒化。主唱喬丹·德雷爾 (Jordan Dreyer) 使用的語言和表達方式在樂隊同齡人的背景下具有顛覆性的女性氣質，而動蕩的音樂景觀也反映了他的崇高情感。你很少能聲稱一首與情緒相關的歌曲有“動作”，但《最後失落的大陸》卻有。它會帶你一起踏上旅程，從痛苦中走向積極的結局，它為專輯結束曲設定了標準，後來成為了《La Dispute》的派對伎倆。也就是說，如果聚會就是“生活”，而秘訣就是“讓你在擁擠的人群中感覺不那麼孤獨”。 —艾瑪嘉蘭

74. 熊熊，《馴鹿遊戲》（2017）

他的第二張唱片是 2017 年的尤納洪混音帶，Oso Oso 樂團的Jade Lilitri 創作了自1996 年以來我聽過的最好的Weezer 歌曲。歸結為它的絕對本質，hook加上感覺加上感覺無聊和惱火的感覺。《馴鹿遊戲》也與它的標題相反，它是為夏天而設計的，吉他的音色在陽光下閃閃發光，就像海灘上的玻璃一樣。 Lilitri 添加到歌曲中的每個鉤子都會增加其飽和度，直到它變得如此明亮和容光煥發，感覺會讓你被曬傷。 —布拉德·尼爾森

73. Pageninetynine，「愛上幻影」（2001）

「龐克搖滾應該意味著自由，喜歡並接受任何你喜歡的東西，想玩什麼就玩什麼，隨心所欲，只要它是好的並且有激情。」憑藉他們自己的存在，帕吉尼提寧為永遠不敗奠定了基礎。當然，其他的尖叫樂團也出現在他們之前，但《In Love With an Apparition》提醒了他們自己、聽眾和華盛頓特區，只要你真心想表達，就沒有對錯。多年來，無論是在現場表演中盡情釋放，還是將陣容從 6 名成員調整為 14 名成員，這支來自弗吉尼亞州的樂隊在如此喧鬧的表演中卻表現得令人驚訝。你可以在整部《愛上幻影》中聽到這一點。從他們吉他驅動的憤怒很快就停止了，而那些孤立的拍手聲成為了焦點，到隨著節奏的加快，集體強調了悲觀的節奏，這首歌展示了Pageninetynine 從一開始就有多緊張，以及為什麼他們鞏固了自己的地位。 —妮娜·科科倫

72. 現代棒球，「你的畢業」（2014）

《你的畢業》寫於每個人性格形成的關鍵時期，此時發生在你身上的所有不幸的事情都感覺（A）它將伴隨你一生，（B）發生過的最糟糕的事情對任何人。這是對單相思的生動複述，幾乎讓人會心一笑，布倫丹·盧肯斯（以及鼓手肖恩·胡貝爾罕見的發聲）捕捉到了我們大多數人在某些時候對一段現實並不存在的關係抱持的不健康的希望。與情緒搖滾主流時代的復仇幻想相去甚遠，《現代棒球》升級了敘事，不僅包括放棄的悲傷，還包括繼續前進的釋放。 —艾瑪嘉蘭

71. Saetia，《維納斯與巴克斯》 (1998)

儘管 Saetia 不是第一支尖叫樂隊，但它可以說是第一個完善這種形式的樂隊。《維納斯與巴克斯》借鑒了安提阿箭和海洛因等樂團的鋸齒狀作品，並用類似克制的東西取代了它們。他們沒有立即跳出大門，而是讓吉他演奏更精緻的段落，當它們不可避免地爆炸成一堆扭曲的碎片時，完全令人驚訝。主唱比利沃納 (Billy Werner) 也完成了類似的壯舉，他以一首類似於口語的詩句開場，然後切換成不人道、難以辨認的尖叫聲。這是一種刺耳的、挑釁性的音樂，這種音樂有助於鞏固一個新生的次流派，而這個亞流派很快就會充滿公然的模仿者。 —大衛安東尼

70. 艾利歐特，「開車到我這裡」（2000）

1990 年代初，底特律和路易斯維爾等貧困城市充斥著以厚重的連複段和粗啞的嗓音為特徵的硬核表演。其中包括 Empathy 和 Falling Forward，其前成員與 Elliott 結盟，旨在超越他們先前工作的範圍進行實驗。他們在《Drive on to Me》中偶然發現了一些真誠和感激的東西，就像某種隱藏的情緒公式，將懷舊視為最重要的，即使這種特殊性在歌手兼吉他手克里斯·希格登(Chris Higdon)晦澀的詩中迷失了。雖然歌詞在談到單相思時並沒有拐彎抹角，但音樂本身——一首由沉悶的鋼琴音符和慷慨的和聲引導的搖滾歌曲——卻有一種親密的表達，就好像這支全樂隊的努力要求更柔和一些。多年後，「Drive on to Me」仍然給人一種秋天散步的感覺，花在思考你所迷戀的人上，他是內向者版本情歌的主要候選人。 —妮娜·科科倫

69. 福斯星《羅裡》(2013)

Foxing 的第三張精彩的電子前衛專輯充滿了後千禧年的張力更接近我的上帝與千禧年前的緊張局勢相比好的電腦，Radiohead 精彩的第三張電子前衛專輯 ——如果聖路易斯樂團還沒有他們自己版本的“Creep”，那麼這種比較就不那麼重要了。與大多數年輕藝術家一樣，Foxing 崇高而藝術的野心與醜陋的青少年焦慮不安地共存，這激發了他們最早的歌詞，從他們目錄中“Rory”的神聖地位來看，很明顯是什麼在一開始獲勝了。「我發誓我是個好人，」康納墨菲醉醺醺地含糊其辭，明確表示他所說的一切都與事實不符。誇張、扭曲的破裂導致他們的首次亮相分裂信天翁一半時，墨菲尖叫道“那你為什麼不愛我”，我的意思是……他真的需要問嗎？《羅裡》的敘述者有一個有毒的頭銜、嫉妒和自我厭惡，在粉絲通常不接受詩意許可的流派中，這是一種危險的混合體。這些也是完全相關且有效的感受，任何「做得更好」的話語都不會從人類經驗中消除。任何有感觸的人那方式可能會令人厭惡地回顧（Foxing承認他們有點討厭“Rory”），但不可否認它目前的效力。他們仍然用它來結束幾乎每場演出。 —伊恩·科恩

68. 灰質，「不燒橋樑」(1986)

“真的有浪費時間的事嗎？”如果你不確定，請讓 Grey Matter 主唱傑夫特納（Geoff Turner）再次在你耳邊大聲說出這個問題。當華盛頓特區的樂隊在革命之夏質疑自己的情緒時，Grey Matter 則忙於捍衛停工期並在“Burn No Bridges”中恢復生命的價值。這首歌後來成為他們最熱門的歌曲——最初很受歡迎把它拿回來，他們的 Ian MacKaye 於 1986 年製作的唱片，後來因滑冰影片——《灰色物質》誠實地反覆討論了價值、自我破壞以及最終需要接受自己的問題。他們也優先考慮強度而不是速度，但特納實際上嘗試唱歌。那會有多大的不同。他在《Burn No Bridges》中的台詞方式再現了某人喘著氣的感覺——這是有道理的，因為他一直「走到了邊緣」。讓 emo 來說服某人喘口氣，享受一次吧。 —妮娜·科科倫

67. 中士，《迷人》(1998)

儘管吉他手的輪換最終導致樂隊解散，但 Sarge 成為了家鄉伊利諾伊州尚佩恩以外的地下最受歡迎的人，在滾石樂隊,沙龍，以及鄉村之聲當時 EMO 普遍被忽視。主唱伊麗莎白·埃爾莫爾（Elizabeth Elmore）知道，擺脫冗長、壓抑的歌詞的秘訣就是將它們與毫無歉意的旋律掛鉤。從這個意義上說，「Beguiling」應該是情緒搖滾歌曲創作的首選例子，它並沒有把所有的牌都擺在桌面上。摘自 Sarge 的第二張專輯，玻璃完好無損在《Beguiling》中，埃爾莫爾反思了一段情感虐待關係，這種關係不斷地讓她陷入困境。下不斷讓她失望。同時，這首歌充滿活力的鼓聲為埃爾莫爾提供了彈奏流行朋克吉他旋律的空間。因此，當她毫無自憐地回顧自己的歷史時，她得出了一個嚴厲的結論——「我想念你，但我要放棄了」——這讓她比大多數人都更堅強，因為她知道何時該劃清界線。 —妮娜·科科倫

66.背包，「勇氣被困惑」（1997）

與同齡人相比，Knapsack 似乎更被困在情緒搖滾和另類搖滾之間。他們的歌曲總是有點太奇怪，無法打入主流，但你仍然可以從他們動態的敏感性中聽到交叉的潛力。《Courage Was Confused》的主要樂趣來自於副歌部分主唱 Blair Shehan 的聲音在歌唱和尖叫之間向上捲曲：「聽起來不錯！聽起來不錯！秘密就在於犧牲！ 1997 年初，在輕柔的彈奏和支撐崩潰的軍事節奏中，聽到早期流行情緒音樂的聲音，這很奇怪。 —布拉德·尼爾森

65. Fuel，「提示你」（1990）

任何認為 emo 與政治無關的人顯然從未聽過 Fuel 的音樂。不要與同名另類搖滾樂團, Fuel 是灣區的表演，與 Fugazi 驚人相似，這導致許多孩子開玩笑地稱他們為「Fuelgazi」。在很多方面，Fuel 為像 Hot Water Music 這樣的樂團設定了藍圖，用吉他決鬥和呼應的聲音模式創造了一種混亂、緊急和資訊豐富的動能。主唱莎拉·基爾希(Sarah Kirsch) 在2012 年去世之前曾擔任許多偉大硬核樂隊的主唱，她為Fuel 賦予了明顯的激進主義觀點，以非常個人化的方式歌頌非人化、制度性種族主義的沉重以及宗教的龐然大物。《Cue to You》不僅是樂團唯一一張專輯中最好的歌曲之一，過度紀念碑，但它凸顯了硬核道德擴展到新場景的時刻。作為唯一一首在歌詞中插入甘地名言的情緒歌曲，《Cue to You》生動地提醒我們，情緒和硬核並不矛盾，而只是兩條不同的道路，當追溯起來時，它們導致了同一個地方。——大衛安東尼

64.格洛卡‧莫拉，《不可撤銷，混蛋》(2012)

費城的 Glocca Morra 的美妙之處在於他們總是以聳聳肩的態度對待樂團。這並不是說成員們不認真對待樂隊，但他們從來沒有傾向於認真對待它也嚴重地。有時，很容易看出主唱兼吉他手扎克·施瓦茨（Zack Schwartz）的“呃，操它”的方式後來如何影響到他與弗蘭克·奧恩（Frank Ocean）最愛的實驗作品《蜂巢之靈》（The Spirit of the Beehive）的合作。 Glocca Morra 的第二張專輯，也是第一張由Snowing 的Nate Dionne 擔任第二把吉他的專輯，非常有趣，充滿了與聲樂旋律一樣令人難忘的錯綜複雜的吉他段落，但它帶有與早期獨立搖滾樂團相同的懶散精神。《Irrevocable, Motherfucker》以一句漫不經心的台詞開頭，“我猜，我永遠不會學習”，這擊中了讓Glocca Morra 與眾不同的一切，聽起來像是那種毫不費力就能寫出來的歌曲，就好像它已經到達時已經完全成型，號角佈置和喧鬧的“woo”已經就位。當其他樂團競相讓他們的歌曲變得冗長而絕望時，施瓦茲將日常生活視為一種小煩惱，最好用輕輕的嘆息和冰箱裡的另一杯啤酒來消除這種煩惱。 —大衛安東尼

63. Tigers Jaw，「我看到水」(2008)

滾石樂隊將他們最初的領導者和創始人布萊恩瓊斯開除出樂隊一個月後，他被發現淹死在游泳池裡。警方判定其為「意外死亡」。當歌手兼吉他手亞當·麥基爾威(Adam McIlwee) 在《我看到水》(I Saw Water) 中對瓊斯大喊大叫時，它給人的感覺不像是標準的流行文化名字檢查，而是一種令人擔憂的比較。他的朋友們玩得很開心，他愛的女孩不理他，他一直想著被埋在地下。懺悔聲從左右傾瀉而出：他感到迷失，他在湖裡淹死了，吞下池水讓他感覺輕鬆了。《I Saw Water》將情感硬派人士對孤立的恐懼始終存在，並以最現實的方式付諸實踐：自我破壞。《I Saw Water》中每個成員的流暢喊聲讓人感覺如此原始和乾淨，很容易跟著唱，這是有原因的。當你內心充滿焦慮卻無處發洩時，你會去哪裡？如果你是布萊恩瓊斯，你就會去游泳池。他們也是。 —妮娜·科科倫

62. 企業的東西，「康斯坦丁」(2000)

在流行龐克世界的鏡像中，與《Freebird》和《Stairway to Heaven》等經常被點播的歌曲放在同一個架子上的是《Konstantine》：一首近10 分鐘長的鋼琴作品，但從未被有意為之。現在，就像一個善意的笑話一樣，在 Something Corporate 解散很久之後，這首歌仍然以觀眾請求的形式困擾著主唱安德魯·麥克馬洪 (Andrew McMahon)。考慮到這首歌從頭到尾都呈現出一種懺悔的感覺，我們很容易就能猜到這首歌的創作過程是多麼的宣洩——以及在 15 年多之後重溫它是多麼困難。作為麥克馬洪寫給一名自稱未成年女孩的情書，《康斯坦丁》從對與前任共同經歷的反思轉變為未被承認的絕望懇求。隨著麥克馬洪心碎的胡言亂語加深，他最終聲稱這首歌的重點是承認自己的錯誤並“接受[他]對[她]所做的一切。”閱讀純文字歌詞，所暗示的令人毛骨悚然的內容變得相當生動。但聽麥克馬洪透過他的鼻腔喊出吉米美食世界和 11 點 11 分的時間戳，他的語氣給了這首歌不同的光芒。最終，全樂隊的建設達到了臨界點，為麥克馬洪創造了一個頂峰，他站在頂峰上反复喊道：“你知道我想念你嗎？”對於一群渴望聽到他們被想念的孤獨聽眾來說，這些話是安慰的話，也是對一段本來就不應該存在的未成年關係的棺材上釘上一根釘子。 —妮娜·科科倫

61. 威澤，《厭倦了性》(1996)

幾乎這個名單上的每個樂團都會告訴你他們實際上並不是情緒搖滾，而沒有一個比 Weezer 更能證明這一點。 Rivers Cuomo 的 DNA 中沒有一絲朋克元素，他在康涅狄格州的 KISS 和 Beach Boys 樂隊中長大，18 歲時搬到洛杉磯，在日落大道的 Tower Records 工作，並在幾支失敗的金屬樂隊中演出。威澤的首張專輯將永恆的力量流行樂與適時的諷刺和斯派克·瓊斯執導的視頻結合在一起，立即獲得了成功，感覺就像是對庫爾特·科本自殺後抑鬱的垃圾音樂的譴責。正如你們都非常清楚的那樣，科莫的資本主義本能仍然是無情而有效的，如果商業拒絕，也許我們就不必處理他的“No Scrubs”封面了。平克頓並沒有促使他在接下來的 20 年裡確保他永遠不必重新處理被遺棄的問題。

脫去藍色專輯的製作的光澤並揭示了所有隱藏在顯而易見的性神經症、可疑的性別動態和極端的痛苦，我什至無法開始想像 DGC 甚至 Weezer 自己想像的反應，以“厭倦了性， ”其中另類搖滾最令人信服的書呆子抱怨一連串毫無意義的俗語如何讓他無法實現真愛，而我們應該感受到對不起為了他。事實上，它甚至有點可信，更不用說它的宣洩效果幾乎是無與倫比的，這在很大程度上要歸功於紅線鼓和無調性吉他獨奏超越了“自慰”，聽起來就像科莫討厭他自己。「厭倦性」可能還沒有情緒化，但它已經不可逆轉地被納入這一流派中，因為沒有它就不可能想像出現代的軟男孩。 —伊恩·科恩

60. 我恨自己，「致戰爭中的丈夫」 (1997)

吉姆·馬爾伯格和喬恩·馬爾伯格兄弟試圖讓人們相信“我討厭自己”是一個笑話樂隊，這是很恰當的。他們對這一流派的比喻瞭如指掌，並且完美地運用了它們，從樂隊名稱到冗長的歌曲標題——也就是說，當他們不厭其煩地把它們包括在內時。看起來馬爾堡一家並不是在開玩笑，而是試圖讓自己免受任何可能對他們提出的批評。然而，無論他們的意圖是什麼，「我討厭自己」幫助完善了尖叫音樂的某個流派，而「致戰爭中的丈夫」仍然是他們最原始的演繹。就像所有最好的《我恨自己》歌曲一樣，這首歌關注的是微小的時刻如何帶來巨大的、壓倒性的感受。主角收到一封信，通知他們丈夫在戰鬥中陣亡，但吉姆·馬爾伯格處理這種陳詞濫調的方式讓它受到如此沉重的打擊。從歌曲淒涼的低音線到幾乎聽不見的吉他演奏，《致戰爭中的丈夫》充滿了微妙的音樂姿態，讓歌詞承擔了大部分的重量。得知丈夫過世後，主角說：「我想笑，但回到房間哭了。」這句話在匆忙的糾正衝進來之前懸而未決，意味深長。我們的房間裡，我回到房間哭了。這相當於觀看精確時刻的情緒拉爾夫‧威格姆的心撕成兩半，因為即使是最好的笑話有時也會令人感動。 —大衛安東尼

59. 暢所欲言，「帶著愛的榮耀而活」(2004)

就像上面的每一首歌一樣是一個真正的男孩，《帶著愛的榮耀而活》是一部雄心勃勃、不負責任的性感音樂劇，但這和《每個男人都有一個莫莉》或《哇，我也能做愛》之間有很大的區別。沒有辦法解決這個問題：這個人想像在納粹佔領期間做愛會是什麼樣子。而中性牛奶酒店的在海上飛機上馬克斯·比米斯（Max Bemis）構建了一個類似於天真且不合邏輯的發燒夢的東西，脫離了時空連續體，在撰寫《帶著愛的榮耀而活著》時，考慮了他的大屠殺倖存者祖父母的經歷，並想像了原始的、生育的衝動如何仍然蓬勃發展當成千上萬的屍體堆積在你面前時。這是 Max Bemis 和其他人都不會嘗試的歌曲，將最令人震驚的主題呈現為模擬 Strokes 狂歡和爵士樂表演曲調，同時確保即使是最可怕的細節也不能被忽視公正的傾聽者；屍體被掠奪以獲取黃金填充物，黑色眼線被用作長襪的替代品，戀人注定要「分開工作營」。是一個真正的男孩以一首叛逆之歌宣告自己的到來，但還有更好的歌曲即將到來——當比米斯和他的伙伴們高喊“特雷布林卡充滿了愛的榮耀！”面對必然的死亡，他讓不可思議的事變得真實可信。 —伊恩·科恩

58. 爵士六月，「傷疤證明這一點」（2000）

考慮到它的體積是如此之小，Jazz June 的聲音是如此有觸覺，聽起來幾乎讓人感覺不舒服。在第四張專輯中醫學，鼓感覺就像在敲打窗戶，而吉他線則像碎玻璃一樣分裂和切割。 Andrew Low 的聲音就像有人試圖在繁忙道路的另一邊對你大喊大叫，當他說出「我們最愛的東西是我們認為理所當然的東西」之類的台詞時，這只會讓你更加心碎。聽到他試圖推開儀器的頂篷，一切都感覺更加緊迫，更像是警告。

六月爵士樂隊融合了情緒搖滾和爵士樂，在當時被認為是一支微妙的前衛搖滾樂隊，他們的吸引力更多地面向理論家和“音樂家中的音樂家”，而不是休閒聽眾——儘管這並不是說他們缺乏旋律，你可以很容易地發現他們對更多商業樂團的影響，例如後來出現的 Early October。本質上，他們是情緒搖滾中的 Steely Dan：在人群中小眾，但非常重要。 —艾瑪嘉蘭

57. 下雪了，《薩姆魯迪奇》(2009)

在情緒復興期間出現的所有樂團中，Snowing 是第一個似乎以蔑視而不是崇敬的態度對待這一流派的樂團。呼叫他們的第一張EP操你的情感廢話是一個非常強烈的象徵，但在他們的歌曲中也是如此，尤其是約翰·加爾姆（John Galm）的歌詞在反叛情緒搖滾的自我嚴肅性的同時也沉迷其中。《Sam Rudich》毫無預警地撕開來，混雜著邊緣的爆炸節拍、大步走的吉他和 Galm 的高亢尖叫聲，從第一個音符就吸引了人們的注意。這首歌在幾個點上分裂成一個“承諾環”——中間有一堆“ba-da-da-da-da”，最後是吵鬧的輓歌，所有這些都像是試圖分散人們對歌曲的注意力。但最後，加爾姆終於軟化了，他的外表在他尖叫時融化了，“我感覺不像我的父親/他一直睡在地下。”它非常誠實，充滿了殘酷的幽默，是的，還有頂級的“情感廢話”。 —大衛安東尼

56. 週年紀念，「底特律的 D」 (2000)

Anniversary 的公式看似簡單：情緒，但添加了合成器，其音調聽起來像是從蚊子中吸出來的。另外：製作所有其他樂器，使它們聽起來蒼白且褪色，就像舊的過度曝光的寶麗來一樣。聆聽“The D in Detroit”及其母專輯的其餘部分，設計神經崩潰，幾乎就像在某人的屋頂上觀看夜空中閃爍的星星一樣。 Adrianne Verhoeven 的合成器運行著俄羅斯方塊形狀的音符序列，吉他從幽靈般的距離在合成器下方發出嘎嘎聲；在其上方的某個空間中，範霍文和喬許·貝旺格的聲音像兩張透明紙一樣相互擠壓。正是這種夢幻般的層次感為他們的音樂帶來了一種令人難忘的感覺。《The D in Detroit》是一首讓你感覺自己在聽之前就已經熟悉的歌曲。 —布拉德·尼爾森

55. 點火，「憤怒的手段」（1987）

夏季革命的影響幾乎是立即就可以看到、聽到。隔年，Faith、Grey Matter 和 Soulside 的前成員組成了 Ignition，成為 DC 的第一個超級組合。他們在接下來的三年裡發行了一些唱片，包括他們的單曲“Anger Means”的戰鬥口號。歌手亞歷克·麥凱 (Alec MacKaye) 是 Minor Threat 和 Fugazi 偶像伊恩·麥凱 (Ian MacKaye) 的弟弟，他的話語中充滿了肆無忌憚的賦權感。他厭倦了法西斯政府的決定和美國永遠的自滿狀態，他用憤怒來重申自己的理想，而不是作為男子氣概的霸道標誌。「我的行為可能是盲目的/無法控制我的憤怒，」他唱道。 “但這個結果並非不可預見/我知道我的憤怒意味著什麼”，這標誌著文化從侵略性主導轉向情感誠實。尤其是「Anger Means」這一訊息給遠近各地的歌迷留下了深刻的印象，部分原因是 Ignition 開始了歐洲巡演，使他們成為第一批在海外演出的 Discord 樂團之一。 —妮娜·科科倫

54. 嫉妒之聲，「我們的希望」(2003)

老實說，幾乎所有《Knapsack》的歌曲都是一樣的。布萊爾謝漢 (Blair Shehan) 緊張、輕快的聲音在歌詞中就像風暴之眼，聽起來不確定他想與你分享多少，以及是否首先這樣做。然後他跳過條紋強力和弦，跳向更高的八度，合唱將其路徑上的一切撕裂開來。這是公式化的，但當 Shehan 創造 Jealous Sound 來嘗試兌現 Knapsack 破解另類搖滾收音機的未實現承諾時，這個公式就得到了適當的運用。無論是來自瑞典的Svengalis，還是熱衷於排行榜的emo 孩子，流行音樂都是一種作為願望實現而存在的模式，讓普通人感到自己有能力做不平凡的事情，坦率地說，《Hope for Us》在2003 年沒有被播放是不合情理的。「如果你有疑問/吻我的嘴，」謝漢向天大喊，彷彿他在要求這種完美是超自然的注定。在浪漫喜劇之外，沒有人會用這樣的話來表達，儘管他們很想這麼做。當副歌響起時，讓人震驚又滿足，就像願望得到回報一樣。 —伊恩·科恩

53. 雷納‧瑪麗亞，《錫紙》(1997)

當萊納瑪麗亞 (Rainer Maria) 出現時，他們完全不考慮人們會怎麼想他們，也不考慮他們的聲音。證據就在三人首張唱片的開場曲“Tinfoil”中。這首歌以完美不完美的節奏、混音和掃弦，以其手工製作的聲音吸引了聽眾，並輔以凱瑟琳·德·馬萊斯和凱亞·費舍爾首次演唱的缺乏經驗的聲音。無論她是在比較筆跡還是為藥妝店的鎮靜效果歡呼，她的歌詞讀起來就像日記和指責詩歌之間的中間立場。德馬萊斯很生氣，而且她很矮，她不讓任何人說她的故事。從歌曲的第一行（“該死的/我不是在談論我的心/就像它是你可以打破的東西”）到最後一行（“叫救護車/我不想獨自走回家”），她在呼喚這些鏡頭是在你哽咽、熱淚盈眶的時候拍攝的——很可能你也在聽。 —妮娜·科科倫

52. Lifetime，「（健身房）是中立領土」（1995）

雖然將 Lifetime 作為情緒樂團的地位完全取決於歌手 Ari Katz 是不誠實的，但不可否認的是，他的聲音風格幫助將旋律硬核表演轉向了更敏感的領域。 Lifetime花了幾年時間才找到自己，但當他們發佈時你好混蛋1995 年，樂團如火如荼地進行著，歌曲邀請人們在更令人沉思的部分之間盡情狂歡。在“(The Gym Is) Neutral Territory”中，Katz 嘴裡說出的每一句話都成為了推到舞台前面並抓住麥克風的理由，就像你的生命依賴於它一樣。 Lifetime 的硬核精神讓他們脫穎而出，聽聽“(The Gym Is) Neutral Territory”，就很容易明白為什麼 Saves the Day 在最初幾年裡一直在敲詐他們，以及為什麼 Pete Wentz 和 Adam Lazzara 總是他們很快就向樂團致敬。 —大衛安東尼

51. Moss Icon，「我回來睡了，或他媽的，或別的什麼」（1993）

在2012年的一次面試吉他手托尼喬伊 (Tonie Joy) 表示，除了 DIY 方法之外，Moss Icon 從龐克和硬核音樂中汲取的靈感很少。 “Our inspiration came from life for the most part, especially the fucked-up aspects of human existence, trying to survive, remain sane and human in a very insane, unjust world,” he explained, emphasizing: “We just thought we were a '搖滾樂團."這是有道理的。「我又睡著了，或者他媽的，或者別的什麼，」以及其他的Lyburnum 消滅解放飛，是如此刺耳和深奧，很難歸入任何類型。總的來說，他們的風格比當時的任何美國同行都更接近曼徹斯特的後朋克場景，讓人回想起 Joy Division 的繁重苦差（尤其是貝斯方面）和 Mark E. Smith 刻薄的意識流。正如無法分類的樂團經常出現的情況一樣，歌手提供了一條通路。喬納森·萬斯的抒情風格在這裡達到了頂峰，從崇高轉向“坐在馬桶上/我進去拉屎”，這使得這個關於目睹死亡的支離破碎的敘述感覺更加不舒服。自成立二十三年以來，Moss Icon 仍然走在時代的前面。 —艾瑪嘉蘭

50. 明亮的眼睛，「日曆掛起來了…」（2000）

照片：Getty Images/2011 安德魯本吉

在他去掌握額外的藝術之前舉起，康納·奧伯斯特簡直就是很多在「The Calendar Hung Itself…」等歌曲中，他是一顆自焚的彗星，用體溫過低的顫音歌唱，將愛與自我仇恨、嫉妒與利他主義混為一談，將「You Are My Sunshine」和G -funk 合成器偷偷帶入緊張的民謠朋克中彈奏，一位極簡主義導演，在沙發墊的預算下，將整個管弦樂隊塞進了他的臥室。在最近一次關於他最新的雅緻民謠搖滾嘗試的採訪中，奧伯斯特承認他與他的高中樂隊 Commander Venus 一起「在不知道它叫什麼的情況下演奏情緒音樂」。同樣的情況也適用於Bright Eyes，儘管Oberst 一直在努力避開朋克，以對《大象6》做出一種內布拉斯加式的回應。，'”新樂隊成員菲比布里傑斯。但即使「The Calendar Hung Itself…」與該流派的根源相去甚遠，它也符合 Oberst 自己的定義——當你聽到它時你就知道這是 emo。 —伊恩·科恩

49.世界很美麗，我不再害怕死，「2014年1月10日」（2015）

《2014 年 1 月 10 日》在充斥著男性暴力的世界中倡導女性自衛行為，是對情緒硬核經典的一次流氓入侵，以女性為中心，但並非從男性的視角出發。它匯集了兩個故事：第一個是真實的故事戴安娜，公車司機獵人由於警察的漠不關心，數十年來墨西哥華雷斯婦女遭受性暴力，他謀殺了兩名深夜班車司機。第二個是戴安娜，羅馬狩獵女神——一種與野生動物、林地、地獄、生育和分娩等相關的保護力量。這是一個雄心勃勃的概念，但以它自己的理想主義方式重寫了一個共同的敘述——無論是在情緒搖滾中以及整個世界——試圖將女性限制在兩個類別之一：「受害者」或「邪惡」。相較之下，《2014 年 1 月 10 日》將女性視為勇敢與力量的燈塔，並將治安行動視為值得感謝的。雖然所選的例子都是絕望和神話，這讓人感到相當沮喪，但它在歌曲的烏托邦框架內發揮作用，其高聳的後搖滾影響景觀從雲層中更好地傳達了它的願景。然而，真正讓《2014年1月10日》昇華的是對唱的聲音和最感人的台詞——“你現在害怕我了嗎？” ——鍵盤手凱蒂·尚霍爾策-德沃夏克 (Katie Shanholtzer-Dvorak)，她為這一經常剝奪女性這種權利的流派帶來了急需的代理感，無論有意與否。 —艾瑪嘉蘭

48. 在汽車劇院，《跨大西洋敵人》(1998)

雖然許多 90 年代的情緒搖滾樂隊都是紮實的現場表演，但 At the Drive-In 是為數不多的真正偉大的樂隊之一。但成為一名出色的現場表演者面臨的挑戰是將這種能量轉化為一張專輯，儘管許多人聲稱《At the Drive-In》從未實現過這一目標，但《Transatlantic Foe》卻是完美的譴責。吉他手奧馬爾·羅德里格斯·洛佩茲 (Omar Rodriguez-Lopez) 和吉姆·沃德 (Jim Ward) 在不斷變化的節奏中相互碰撞，聽起來他們在每個回合都試圖超越對方。主唱 Cedric Bixler-Zavala 主持了這一切，當他引導歌曲走向勝利的結局時，聽起來令人愉悅地精神錯亂。其他情緒搖滾樂團將他們的音樂視為嚴肅的藝術，而《跨大西洋敵人》則表明，在這個過程中註入一點樂趣是可能的。 —大衛安東尼

47.飛往巴西的噴射機，「唐人街」(1998)

Jets to Brazil 為 Blake Schwarzenbach 之前的樂團 Jawbreaker 帶來了更重的陰影。他們的歌曲節奏緩慢，經過深思熟慮的和弦變化，直到越來越難與龐克混淆。這就是為什麼《唐人街》會如此發展——有史以來最自我反省的朋克主唱之一正在積極尋找新的表達形式，和弦向上和向下扭曲，緩慢而分支，就像海藻一樣。「我厭倦了戰鬥/所以我被摧毀/就是這樣，」施瓦岑巴赫唱道，陷入了自己歌曲的停滯狀態。這首歌催眠般地掙扎著。施瓦岑巴赫的《噴射機飛往巴西》時代的許多歌曲都積極地與寫作有關，而《唐人街》則有一種在桌子上打字的局促感。當那陣吉他聲在最後響起時，感覺就像是個創造性的突破。 —布拉德·尼爾森

46.擁抱，「不再痛苦」（1987）

Embrace 的同名且唯一一張專輯也許是最直接的例子革命之夏宣言，如果這樣的事情存在的話。本質上是伊恩·麥凱當時厭倦的事情的清單——當然，有很多事情，從自滿到硬漢鐵桿到海洛因——“不再痛苦”是對真正改變的呼籲。這是為數不多的情緒搖滾唱片之一，它透過一系列對抗性的歌詞鼓勵你向內看，以便對周圍的其他人產生同理心，這些歌詞現在和 80 年代中後期一樣切題。 Embrace 的聲音可能不像他們的同齡人那樣有影響力，但革命之夏的精神被裝在這樣的短語中：「目的在於你自己/運動在於你自己」——更不用說麥凱稱統治階級“的那一刻了”一群愚蠢的孩子”，然後爆發出尖刻的笑聲，這幾乎和他的標誌一樣關於咖啡因的想法。 —艾瑪嘉蘭

45. 我的化學浪漫，「我不好（我保證）」（2004）

我的化學浪漫。照片：Getty Images/2010 Shirlaine Forrest

如果你曾經感到孤獨、被拒絕和困惑，那麼你可能經歷過高中。您可能還喜歡“我不好（我保證）”的音樂視頻。傑拉德·韋對《我的化學浪漫》有著宏偉的願景和更大的決心，為甜蜜復仇歡呼三聲這只是他實現夢想的第二步。《我不好（我保證）》迎合了一系列不安全感和掙扎，其中最基本的是當今痴迷於自我保健的文化所推銷的：“感覺不好也沒關係。”當與厚實的強力和弦、Way 的戲劇演唱風格和不可撼動的音樂錄影帶 MTV 搭配時，這首歌將情緒搖滾帶入了主流和美國的每個熱門話題。我的化學浪漫讓被誤解的人看起來很熟悉，哥德人看起來很友好，憂鬱症看起來很討人喜歡。他們當時成為各大品牌的寵兒是有原因的。因此，憑藉那段不可磨滅的前奏，「我不好（我保證）」引領了 MySpace 的情緒浪潮，無論情緒純粹主義者是否願意，它都定義了一代。 —妮娜·科科倫

44. Desaparecidos，「地球上最快樂的地方」（2002）

在一個充斥著反戰歌曲的時代，德薩帕雷西多斯成功地寫出了一首在 15 年後仍然脫穎而出的歌曲。《地球上最快樂的地方》不會是康納·奧伯斯特寫的最後一首關於喬治·W·布希的歌曲，但它重申了一首呼籲歌曲的潛力。從譴責盲目民族主義的開場白（「我想宣誓效忠我所居住的國家/我不想為自己是美國人而感到羞恥」），到對反環保主義和公立學校資金不足的批評，奧伯斯特毫不浪費時間指出該國已跌至的低點。當他吐出毒液時，你幾乎可以看到毒液離開他的嘴唇。當他忙著抒情地重複《星條旗永不落》和《美麗的美國》時，這首五首歌曲的其餘部分則調高了音量，為一首本已情緒激動的反戰歌曲注入了苦澀的音樂元素，最終達成了協議。 —妮娜·科科倫

43. 星期四，「理解（車禍中）」（2001）

如今，沒有人會誤以為星期四是一支尖叫樂隊，但當他們的第二張專輯，全面崩潰，他們於 2001 年大受歡迎，是第一部與該亞流派無關的、突破地下室表演場景的表演。「Understanding (In a Car Crash)」並沒有暗示星期四將成為精緻的搖滾樂隊，但它確實概括了為什麼他們在早期感覺很特別，因為他們感覺像是一個樂隊中所有情緒子流派的融合。伴隨著顫動的吉他聲部、尖叫的和聲，以及令人振奮的硬核旋律，結束了這首歌——畢竟，他們的名字確實取自一首《Turning Point》歌曲——“Understanding ( In a Car Crash)」感覺就像是對這首歌的完美總結。過去十年，同時也幫助該類型走向未來。 —大衛安東尼

42. 貓頭鷹，「每個人都是我的朋友」（2001）

Owls 首張同名專輯的聲望與其實際情況完全不成比例：由 Steve Albini 製作的 Cap'n Jazz 重聚。除了戴維·馮·博倫缺席之外，貓頭鷹自然地反映了自從1995 年Cap'n Jazz 在小石城一家醫院外毫不客氣地宣布退出以來，這個集體的視野是如何拓寬的，它的長方形、爵士流行音樂謎題更符合芝加哥的學術後搖滾風格，而不是香檳的本科生歌曲。也就是說，除了最受歡迎的歌曲“每個人都是我的朋友”之外。蒂姆·金塞拉 (Tim Kinsella) 在 2014 年告訴 Quietus 球隊：「技術始終是為感覺服務的。」而貓頭鷹隊在攻防兩端都有餘力。在Victor Villareal 的吉他曲調的刺激下，金塞拉的雙關語達到了他最尖銳的、質疑的程度（“你們兩個喜歡彼此嗎/或者你們太相似了嗎？”），以及自助的局限性（「我知道我必須做什麼，並且去做/但在完成之前我不知道它是什麼」），以及他自己的社交焦慮。即使沒有幸福的結局，貓頭鷹們也會在這個過程中找到難以抑制的喜悅：「我知道，想到你想到我並不是不可能的，」金塞拉用尖叫聲結束了他的壁花讚歌，向每一個不得不喝光自己的人致敬。 —伊恩·科恩

41. 德州是原因，「向後和向左」(1996)

《Texas Is the Reason》有一種幾乎難以形容的特別之處，有時位於歌曲標題之間的某個地方——與歌曲本身無關，交織在肯尼迪陰謀論和雙峰參考。或者只是在歌曲本身中，建立在一波又一波的吉他撞擊加勒特·克拉恩沙礫般的聲音之上。他們唯一的專輯，由 J. Robbins 製作你知道你是誰嗎？, 傳達瞭如此多的神秘和深度，同時仍然是公認的龐克音樂，這是非凡的；每首歌都是由吉他連複段組成的小漩渦。專輯中緊接著一首柔和的無鼓樂器的《Back and to the Left》是一場和弦和鼓的風暴，每個音符都陷入了持續的雨中。它的湧動如此持續，以至於從另一個維度侵入了鞋履的視線。 —布拉德·尼爾森

40. 吉米美食世界，「幸運丹佛薄荷糖」(1999)

照片：Getty Images/2014 C Brandon

儘管明晰總體而言，Jimmy Eat World 的 emo 品牌與他們最終傾向於的更直接的力量流行獨立搖滾相去甚遠，即使在最古怪的情況下，也始終保持著「普通人」的吸引力。他們的音樂中流淌著一股暗流，甚至在他們最歡慶的合唱中也隱藏著一種憂慮，這種平衡吸引了那些擁有95 年與Christie Front Drive 合作的人，也吸引了那些喜歡他們演繹的“中部」與泰勒絲和中間的每個人一起。樂團成長過程中的中西部情感在《Lucky Denver Mint》中都有體現，但他們的組合足夠熟悉，足以走出地下室，登上了《Lucky Denver Mint》的配樂。從未被吻過。這是一張實驗專輯中最容易理解的歌曲，它是聲音化學反應的早期例子，後來成為吉米美食世界走向主流成功的門票。 —艾瑪嘉蘭

39. 蘭花，《我是尼采》（2000）

如果你把庫爾特·巴盧的唱片收藏與歐洲批判理論的基石一起放入攪拌機中，你就會得到《蘭花》。他們的先鋒風格在聲音和情感上都達到了極致，將尖叫的旋律和詩意與權力暴力的嚴酷和速度結合在一起。就像《春之儀式》的第二次到來一樣，加倍努力挑戰尖叫已經達到的不和諧的長度，蘭花的“醜陋而美麗”的聲音成為未來所有形式的情感硬核的試金石。儘管他們的整個作案手法都是在盡可能小的空間裡塞滿盡可能多的東西，但《我是尼采》是他們最集中的努力之一。這首歌成功地提到了尼采對哲學教條的挑戰，同時將他對傳統體系的批評比作硬核的顛覆性可能性，所有這一切都像颶風一樣猛烈一擊。 —艾瑪嘉蘭

38. 挽救局面，「在你的葬禮上」(2001)

節省一天的時間保持你原本的樣子是一個分水嶺的情緒唱片。它是緊繃的流行朋克、更有彈性的後硬核音樂和力量流行音樂的混合體，它定義了聲音的術語，後來的樂隊，如“奪回週日”和“打倒男孩”，將進入合法的廣播和流行明星地位。《At Your Funeral》是這張唱片的序曲，在開場歌詞中大膽地表達了它的抱負：“這首歌將成為你們地下樂隊的聖歌。”這首歌的敘述者最初似乎在譴責一位總是被石頭砸死的朋友，想像著他們精心設計的死亡和埋葬。但這首歌讓位給歌手克里斯康利(Chris Conely)更普遍的迷戀，他對自己成為招待會上桌上的烤豬的病態幻想感到著迷。它給人一種令人困惑、模棱兩可的感覺，統治著這張唱片的其餘部分，老實說，統治著大部分流派。 —布拉德·尼爾森

37.喬伊斯‧馬諾，《持續頭痛》（2011）

當 Joyce Manor 進入時，情緒復興已經如火如荼地進行，但他們的首張同名專輯幾乎立即在現場引起了漣漪。樂團的歌曲簡短而活潑，從 Weezer 的另類搖滾風格中汲取靈感，並以像 Bust! 這樣的 DIY 堅定者的精神來演奏它們！還有忍。在巴里·約翰遜(Barry Johnson) 風度翩翩的歌聲的支撐下，喬伊斯·馬諾(Joyce Manor) 匆忙地演唱了幾乎沒有持續一分鐘的歌曲，這就是為什麼這張專輯的準史詩般的“ Constant Headache」是如此有效。樂隊放慢了節奏，採用了傳統的歌曲結構，並給了約翰遜空間來展開一個關於令人困惑的浪漫糾葛的模糊故事。《Constant Headache》預示著 Joyce Manor 職業生涯的下一階段，他們的歌曲將有更多的空間，但隨後很少有歌曲能像這首歌那樣有力。 —大衛安東尼

36. 布雷德《一打玫瑰》(1998)

我一直發現《時空幻境》的歌曲即使在最興奮的時候也是難以捉摸和內向的，總是溜進自己內心的另一個隱藏的房間或拐過一個角落，這樣就很難跟上它們了。他們是最恰當命名的情緒樂團之一。他們的許多連複段感覺就像一條編織線的鬆散末端。「一打玫瑰」－他們最好的專輯的中心，框架和畫布，一系列像斷絲花園一樣的情緒搖滾歌曲——因此成為《時空幻境》的原型和經典，主要的即興重複段在不斷的橡膠進行中彎曲，從主歌到副歌的反轉和反轉，就好像將自己折成最密集的紙鶴一樣。「靜電造就了老式收音機！」鮑勃·南納（Bob Nanna）在靜電電影中唱道，吉他在他身下以數學上精確的間隔顫抖，驚慌失措的心跳。在某種程度上，《時空幻境》最接近情緒搖滾的中心主題之一，即模糊性的恐懼：所有這些奇怪的、彎曲的和弦就像是對一個不會出現的答案提出的問題。 —布拉德·尼爾森

35. 打倒男孩，「糖我們要下來了」（2005）

打倒男孩」合唱團。照片：Getty Images/2018 麥可圖爾伯格

有點有趣的是，皮特溫茨 (Pete Wentz) 和帕特里克斯坦普 (Patrick Stump) 在十分鐘內創作的一首歌最終成為情緒搖滾最具決定性和不朽的文化時刻之一。「Sugar We’re Going Down」似乎從未完全消失，仍然在流行文化中突然興起，就像今年超級盃的盛況一樣。這是一首創造性的簡單歌曲，基本的四和弦進行，不知何故似乎在移動周圍的地球。它也改變了樂團周圍的地球；當這首歌在“The Hot 100”中排名第八時，他們和情緒搖滾開始流行。 Stump 的聲音在整首歌中令人印象深刻地跳躍，即使他唱的歌詞往往模糊不清，也能達到完美的音符，他的方法幾乎是後朋克風格，同時直接和模糊。他的旋律立刻銘刻在記憶中；例如，寫完這篇簡介後，我想下週我的腦海裡就會浮現出「糖我們要減少了」的想法，但我並不生氣。 —布拉德·尼爾森

34.《可愛的死亡計程車》，「電影劇本結局」（2001）

發行了 1,000 張專輯的樂隊狗屎部落格中，《可愛的死亡計程車》深入大眾意識，從2016年美國總統選舉到奧委會配樂中，「電影劇本結尾」引發了一場關於情緒化的史詩般的爭論，薩默在其中將其描述為「一把吉他和一大堆抱怨」並沒有錯誤。然而，Death Cab 遠非簡單或商業化，它的受歡迎程度就像像Lana Del Rey 這樣的藝術家受歡迎一樣，不是因為他們的音樂特別適合廣播，而是因為他們具有神奇的能力，生動地渲染場景並吸引你進入其中它。

「電影劇本結局」是死亡計程車最電影化的表現，完美地追蹤了離開一段時間後回到家鄉的感覺（在本例中，本·吉巴德在搬到洛杉磯後回到西雅圖為了愛）。陽光普照的連復段，低音保持穩定的節奏，就像路過的路標，恐懼和興奮之間的無縫過渡——這是風景優美的歌曲創作，向柔和的中西部致敬，同時暗示了樂隊獨立的未來。「電影劇本結局」是其中的瑰寶相簿 —在親密感和親密感之間取得了完美的平衡關於飛機的一些事，這為他們贏得了情緒化的描述，以及巨大的浪漫跨大西洋主義，重新定義了它們的參數。 —艾瑪嘉蘭

33.礦物，「格洛麗亞」（1997）

與任何形式的龐克搖滾相比，emo 與神學的聯繫更為緊密——從重生的Jeremy Enigk 到萬能論者Aaron Weiss，再到已然懷疑的David Bazan，許多emo 的領導者都毫不掩飾自己的靈性，適合一種流派。這也常常是高中孩子們在經過多年的灌輸後即將發現自己真正的精神和性自我的領域，而這種焦慮和不安全感的因素賦予了它一種放射性的不穩定，與激發他們的油膩自滿背道而馳。麥克比爾比利亞的點滴關於真正的主流基督教搖滾（聽起來像 Bon Jovi 民謠，直到你意識到，喔等等，他們其實對耶穌很飢渴）。典型的例子是 Mineral 的《Gloria》，它與 Michael W. Smith 最受歡迎的讚美歌曲之一同名，除此之外別無其他。儘管日記Mineral 早期的比較一直困擾著 Sunny Day Real Estate，但它從來沒有像「Gloria」那樣精神錯亂和原始；克里斯辛普森顫抖著唱道，“我只想成為你眼中的泥土/我想成為你手中的泥土”，無論是單戀還是被主拋棄，感覺都是平等的煉獄。「榮耀就是沉默，」辛普森在最後喊道，但救贖在於尖叫。 —伊恩·科恩

32.達格‧納斯蒂《圓環》(1986)

Dag Nasty 在他們的首張專輯中明確表示，我可以說，1986 年，他們有鉤子，並且有及時的意見。至於在仍駕馭旋律的同時，「Circles」是個懇切的懇求，三十多年後聽起來仍然新鮮。雖然他們的存在和觀點仍然是永恆的，但最重要的是，最重要的是，急切、抒情的吉他連複段讓《Circles》給人的感覺就像是年輕的Brand New 或Cloud Nothings 寫的。在第一波情緒搖滾浪潮和數十年後，Dag Nasty 對樂團產生了深遠的影響。像“Circles”這樣的歌曲證明了它們在 80 年代推動這一流派之後仍然在音樂上保持相關性。 —妮娜·科科倫

31. 鹼性三重奏，《Bleeder》(1998)

早在他們成為哥德龐克皇室之前，鹼性三重奏就是一支鬥志旺盛的小型龐克樂隊，熱衷於抒情抒情。他們早期的作品既受灣區流行朋克的影響，也受芝加哥藝術搖滾界的影響，但在所有最好的方面都是混亂的，吉他手馬特·斯基巴和貝斯手丹·安德里亞諾互相唱著，就好像他們的歌曲有些草率。，醉酒的談話，而鼓手格倫·波特則以一種不可預測的憤怒演奏，讓他們的歌曲感覺總是處於崩潰的邊緣。那種青春的活力非常令人興奮，但當樂團放慢節奏時，他們往往會處於最佳狀態。雖然 Alkaline Trio 中最容易識別的曲目“Radio”確實符合這一要求，但與“Bleeder”相比，它總是相形見絀。 Alkaline Trio 建立在手掌靜音的和弦和 Skiba 撕碎喉嚨的歌聲之上，聽起來就像無趣-era Jawbreaker 試圖在上面寫歌親愛的你。儘管他們面臨著聲音上的限制，但他們還是成功了，製作了一部粗糙的史詩片，這將幫助他們建立一個忠實的、狂熱的粉絲群。 —大衛安東尼

30. 草書，《隱士》（2003）

“醒了，獨自一人在一個女人的房間裡，我幾乎不知道。”卡舍爾(Tim Kasher) 在《隱士》的開頭唱出了這句歌詞，他的高音琶音在格蕾塔·科恩(Greta Cohn) 的大提琴聲中閃爍得令人眼花繚亂，再現了殘酷的日出透過百葉窗和一個宿醉的男人厚重的眼瞼偷看的殘酷日出。「我到底是怎麼到這裡來的？我不知道，」卡舍爾後來詳細解釋道，但是我們知道怎麼做。《隱士》是卡舍爾最多產、最受喜愛的階段的創作巔峰，他在概念專輯中獨家創作，描繪了一段關係注定的弧線——Domestica，醜陋的器官和美好生活的年度專輯這些故事大概是警示性的故事，但卡舍爾令人厭惡的自我厭惡卻如此強烈地表達出來，許多人認為它們實際上是對酗酒和離婚的認可。但在大多數草書粉絲的最愛中，都有某種動作——一場爆炸性的爭論，一場撕裂布料的憐憫派對。在《隱士》中，卡舍爾只能坐在床上等待，策劃他的下一步行動，或什麼都不做。除了蒂姆·卡舍爾之外，沒有人可以與之戰鬥，無論他將自己視為追趕者還是被追趕者，他都必須考慮這樣一種可能性：也許他正是得到了他想要的東西，他不可避免地會重蹈覆轍。如果你從未與這首歌有過聯繫，上帝保佑。 —伊恩·科恩

29. 動感城市原聲帶，「LG FUAD」（2005）

根據發展心理學家的說法，雖然大多數人在8 歲左右開始透過語氣察覺諷刺，但直到11 歲才能理解諷刺的最佳形式：面無表情、直率、毫不畏縮、不惜犧牲自己的嚴肅諷刺。 Motion City 原聲帶主唱賈斯汀·皮埃爾(Justin Pierre) 總是將自己的怪癖放在樂隊音樂的中心位置，但“LG FUAD”將他超具體的故事講述方式重新格式化為一部獨一無二的討人喜歡喜歡的情節劇。他發現自己正處於崩潰的邊緣，他警告每個看到這種情況的人。然而皮埃爾一直在取笑他目前的狀態，彷彿笑話會減緩他的惡性循環：“讓我們搞砸然後死掉/當然，我是在比喻/就像我上次自殺/社會自殺一樣。” 《LG FUAD》以其喜劇般的省略和整體的黑色幽默氣氛，成為一堂如何將諷刺作為一種應對方法的課程，而且隨著年齡的增長，當你的大腦開始掌握諷刺本身的多層目的時，它只會變得更好。 —妮娜·科科倫

28. 唐馬丁三號，《電晶體》(1996)

下次當人們問你情感硬核與旋律硬核有何不同時，請向他們播放這首歌。雖然在這一流派方面相對被忽視，但佛羅裡達三人組 Don Martin Three 在他們存在的三年裡將最後的感情傾注到了他們的音樂中。尤其是《晶體管》，它本身就是該類型的典範。在五分鐘的時間裡，唐馬丁三人建構了相對稀疏的吉他旋律和一些鈸重的鼓聲，在音樂和情感上造成爆炸性的崩潰。深愛某人的痛苦從未像科林·麥肯在加速的鼓聲中尖叫著“是的，這是真的，我愛你”那樣原始或真實，這種聲音聽起來就像是在歌曲中，鼓聲快要散架了。它既緊張又馬虎，因為熱情是驅動力。因此，當《晶體管》進入最後一刻，聽起來就像是從懸崖上駛下時，景色太美了，讓人無法不堅持下去。 —妮娜·科科倫

27. 每個地方的人，「我感到筋疲力盡」（2012）

《Everybody Everywhere》中的費城人被視為榮譽中西部人：他們旺盛的節奏和省略的歌詞使他們成為“Promise Ring”、“Braid”和“Rainer Maria”樂隊的後裔，這些樂隊引導了害羞的知識分子的緊張能量，他們對社會刺激感到興奮和恐懼。在十年之交，他們的兩張同名專輯並沒有重新定位內陸情緒，而是將其視為研究生，追踪了從宿舍搬進擺滿宜家家具和貿易的小公寓後觀點的演變。啤酒桶（或“超棒的納米啤酒”）。每個地方的每個人都是情緒復興的普通人，而“我感到疲憊”是我們的“工人的憂鬱”，用一句話概括了辦公室文化過度勞累和缺乏刺激的存在：“我想砸碎東西/我想要一杯咖啡。在昏昏欲睡的前幾分鐘，布倫丹·麥克休唱著這句台詞，彷彿拖著屁股度過了周一早上；當他在兩次沖向終點線的過程中大聲喊出這句話時，就好像他在周五下午 4:57 瘋狂地忙著完成拖延已久的任務。這是被引用最多的歌詞，但同樣重要的一句出現在受 Deftones 啟發的橋段中：“我會遠離這個大場景/遠離這個明亮的屏幕。”在沒有週末的零工經濟中，這是無處可逃的。 —伊恩·科恩

26. 像耶胡一樣開車，「你會計算嗎」(1994)

照片：Getty Images/2016 馬裡亞諾雷吉多

聖地亞哥為情緒搖滾的各種子流派做出了很多貢獻，其中尖叫音樂和薩斯核心音樂幾乎都是在那裡發明的。但影響最大的是無與倫比的 Drive Like Jehu。自從吉他手 John Reis 和 Rick Froberg 在 80 年代末首次與 Pitchfork 樂隊合作以來，他們之間的創意合作就取得了成效，正是與 Jehu 的合作，他們實際上成為了南加州對 Fugazi 的回應。「Do You Compute」突顯了兩人的互動，細長的小吉他主音聽起來既走音又和諧。這預示著雷斯和弗羅伯格之間會有大量的來來回回，他們會競爭看誰能扮演更奇怪的角色，然後一起衝撞成一段歡樂扭曲、宣洩的洗禮，這首歌在歌曲穿過七個音階時一直到結束。《Do You Compute》在執行上是如此關鍵，以至於對每一個追隨其後的樂團來說，這可能都是一次大膽的釋放和長期發展的挑戰。我們都因此而過得更好。 —大衛安東尼

25. 獅子佩德羅，《選項》（2002）

如果你想充分證明大衛巴贊是獨立搖滾中最強大、最具破壞性的故事講述者之一，那就從《Options》開始吧，這是一首什麼都沒發生的歌曲。這就是重點──2002 年的揭幕戰控制整首曲子的音量始終保持不變，巴贊嚴肅的男高音的音調從未動搖過，並且以同樣令人難以忍受的節奏移動，帶著一種揮之不去的、持續不斷的怨恨。在海灘上的一次長途漫步變成了一種令人震驚的冷酷的表白，很快就暴露出自己是一場片面的內心對話，然後一場注定失敗的婚姻被一句無愛的“我愛你」重新祝聖。自始至終，巴贊嚴格的極簡主義強化了每個字詞選擇的嚴肅性。控制可以選擇拍成終生電影；廉價旅館裡的不正當關係、激烈的口角、疲憊不堪的小鬼，以及讓牧師放棄對上帝信仰的可怕復仇行為。但關係永遠不會變質那很快，《選項》將多年的恩怨濃縮成四分鐘的死亡行軍。 —伊恩·科恩

24. 卡特彼勒之城，「你想知道頂層如何取代天堂」（2002）

如果長歌名沒有透露出這一點的話，City of Caterpillar 就是一支可以讓最沉悶的後搖滾小孩們進入情緒搖滾的樂團。在近九分鐘的過程中，弗吉尼亞樂隊使用“And You’re Wondering How a Top Floor Could Replace Heaven”作為任何想到的一切的熔爐：遠處的大氣哀號，躁狂的聲音傳遞，瘋狂的聲音硬核的鼓樂、喧鬧的吉他旋律和藝術搖滾的敲擊聲。《毛毛蟲之城》與其說是在為情感時刻配樂，不如說是為感覺的演變配樂。憑藉對動態和主題的精湛掌握，《毛毛蟲之城》能夠使歌曲的三個部分複製戲劇的結構。謝幕後，你腦海中迴響的只有布蘭登·埃文斯 (Brandon Evans) 在歌曲中段的抒情威脅：“把自己笑紅/我知道你會窒息。” —妮娜·科科倫

23. 旅館老闆，「你的深度休息」(2014)

《旅館經營者》音樂的美妙之處在於克里斯蒂安霍爾頓的歌詞可以輕易地從你身邊溜走。他很囉嗦，以至於他的副歌很少會以同樣的方式重複兩次，但樂團的音樂是如此的活潑，以至於無論你是否認識歌詞，他們的旋律都會根植於你的潛意識中。「您的深度休息」是旅館經營者所取得的成就的典型例子家，就像無處可去這張唱片充滿了黑暗的情緒和來之不易的入場費，所有這些都塗上了他們微薄的預算所能買到的最閃亮的漆。《Your Deep Rest》是一首關於朋友自殺的歌曲，以及瀰漫在主角身上的內疚、羞恥和平靜接受的感覺，但它得到了流行情緒音樂的支持，這種聲音區分了成熟的獨立音樂-Weakerthans的傾斜聲音和起跑線的歡樂流行朋克。這首歌帶來了流行音樂的所有簡單樂趣，但也隱藏著一個令人回味的故事，一旦你聽到它，你將永遠無法動搖。 —大衛安東尼

22.儀表板懺悔，「放手」（2003）

15 年來，Dashboard Confessional 主唱 Chris Carrabba 一直在為《Hands Down》的現場表演做序言：“這首歌是我度過的最美好的一天。”當你年輕的時候，第一次約會有著足夠的分量，因為它們充滿了大大小小的第一次。他的歌詞在“Hands Down”中捕捉到的是壓倒性的焦慮，這種焦慮在整個晚上都會吞噬你。在歌曲的副歌部分，雙聲道的歌聲變成了雙聲道的喊叫，讓他對死亡之吻的祈求顯得格外緊迫。我是否曾在雨中奔跑、跳過大門、親吻我的心上人？不，但是該死的，卡拉巴讓我希望我這麼做了。《放手》是 Xanga 時代每個充滿希望的浪漫夢想的幻想。最重要的是，這首歌的核心情感在這麼多年後仍然值得：高希望和低期望得到回報，尤其是當你最終面對面面對你應得的愛時。 —妮娜·科科倫

21. 回顧週日，「影響下的十年」（2004）

《奪回週日》怎麼能證明他們對《影響的十年》情節劇的永不滿足的渴望是合理的呢？ “我對此有一種不好的預感”，“今晚任何人都會這樣做”，“我會過來，但這還不夠”，“我最壞的事情會激發出你最好的一面”，“讓你和你所有的朋友見鬼去吧」」：整件事都是用一個死侍式的反英雄的簡潔對話寫成的，他注定會一次又一次地被拋棄。然而，這不僅僅是基於一個真實的故事——它是關於一場他媽的酷玩樂隊音樂會的。 Adam Lazzara透露，他和女友分手前就買了票，但無論如何他們還是決定一起去，因為……這就是血液湧向頭部巡演，讓您的工作順利進行。將典型的郊區衝突推斷為核邊緣政策，這讓懷疑論者恨emo，這也是它的超越之處。「影響下的十年」——實際上，所有最好的《奪回週日》歌曲——驗證並紀念了那些在回想起來時看起來可笑和瑣碎的時刻，因為有時你的世界是如此之小，以至於你可以容納即將到來的世界末日，讓我們乘坐尷尬的車回家。 —伊恩·科恩

20. 皮博德，《美國之心》(2002)

《美國之心》之所以罕見，是因為它向外看。影片以一個哀嘆經濟不平等的敘述者和一個花十塊錢洗窗戶的人之間的互動為基礎，簡單而諷刺地提醒我們，改變社會的運作方式意味著真正參與其中。音樂中的社群意識通常來自於一套共同的社會政治價值觀，或者是一些可能讓人感到孤立的經歷——心碎、悲傷、憂鬱——但「美國之心」需要一些時間來超越它本身。它充滿希望，而且相對客觀，預示著可以獲得什麼，而不是沉迷於已經失去的東西。諷刺的是，考慮到皮博爾德從來沒有與任何一個場景完全一致，但《美國之心》是情緒搖滾目錄中最統一的條目之一，提醒那些沒有「創造規則」的人，他們有能力改變它們。 —艾瑪嘉蘭

19. 小陽春，《憤怒的兒子》(1993)

它以一個聲音開始，一種幽靈般的、超凡脫俗的聲音，唱著：“當你感到憂鬱時，沒有人跟你說話/你不知道該怎麼辦，然後看看我是否會在乎。”電吉他撥動著一組與所唱歌曲無關的狹窄音符。然後聲音消失了，樂團像未被注意到的陰影一樣膨脹起來。有人開始低聲吟誦一首散漫的詩，這首詩可能是關於精神危機和遺棄的，就像一個猶豫不決的門徒在穿越廣闊而開裂的沙漠時會自言自語的那種詩句。「這就是地球，他已經移動並收集的地球，按照他自己的喜好定居下來，」他說。 “但他仍然繼續前進。”以下的音樂逐漸增強，減弱，然後再次增強，直到達到頂峰，包括鼓在內的所有樂器都聽起來像是在哀號。 “就是現在！”他尖叫起來。然後，當小號吹出緩慢的藍調樂句時，一切都永久地消失了，消失在貝西·史密斯(Bessie Smith)唱片的頻譜爆裂聲中。 Indian Summer 樂團創作了這部 90 年代早期情緒搖滾的干癟傑作，但他們只在一起了一年；他們從未錄製過一張完整的專輯，他們現有的錄音材料可以感覺到自己處於消失的邊緣，乙烯基靜電劈啪作響，當他們沉入多層時間並回歸沉默時嚎叫。 —布拉德·尼爾森

18. Christie Front Drive，《廣播》(1997)

Christie Front Drive 比格洛麗亞唱片(Gloria Record) 更鬥志旺盛，比彭福爾德(Penfold) 更流行，而且與兩者一樣遲來的讚賞，克里斯蒂前驅(Christie Front Drive) 曾是這裡眾多中西部情緒樂隊之一，但在很長一段時間裡，它一直是這裡的好時光。他們唯一一張完整專輯的核心作品《Radio》是一個完美的例子，說明了用很少的錢可以做很多的事情。錄音是如此親密，你可以感覺到汗水弄髒了你的 T 卹，軍鼓拍打著你的後背，這只會提高“Radio”通過緊張和釋放產生的逐拍滿足感。它有力地提醒我們，基本的組成部分——四個人、一個基本的吉他即興演奏和一些樂句——可以創建一個樂隊，其影響力超越其最初的結構，並持續到未來幾十年。 —艾瑪嘉蘭

17. Straylight Run，「舞會之夜的存在主義」（2004）

約翰諾蘭最初為《奪回週日》而寫了《舞會之夜的存在主義》，但當他和貝斯手肖恩庫柏留下個人和創作上的分歧時，他最終把它帶走了。他們組成的新樂團——Straylight Run，由諾蘭的妹妹米歇爾·達羅莎（Michelle DaRosa）和Breaking Pangea 鼓手威爾·諾恩（Will Noon）完成——與他們之前的樂團有很大不同。他們的聲音更豐富、更夢幻，更少報復，更內省，他們的歌曲是從鋼琴和合成器而不是吉他擴大器流出的。「存在主義」幾乎是該項目的目的陳述，一種崇高的、探索性的、資本性的——右關於愛與宇宙不確定性的浪漫鋼琴民謠，只有真正的情感在其不受約束的真誠中。「像你認為沒有人在聽一樣唱歌，」諾蘭一邊唱著，一邊用手指彈奏著越來越印象派的和弦，幾乎無形地把這首歌從悲傷的低語變成了宣洩的尖叫。這是情緒搖滾中最好的慢舞。 —布拉德·尼爾森

16. Jawbox，《美味》(1994)

情緒搖滾和後硬核之間的界線一直相當薄弱。鑑於情緒搖滾的原始浪潮是由從硬核中成長起來的音樂家打造的，很容易看出這些名稱總是讓人感覺有點模糊。在 Jawbox 中，Government Issue 的貝斯手 J. Robbins 擔任主唱，他們比同齡人更輕鬆地在這兩種聲音之間切換。「Savory」是樂團能夠採用猛烈的即興重複段並將其用於內省的能力的一個典型例子。羅賓斯和比爾·巴博特互相對抗，他們相反的吉他聲部給這首歌帶來了一種令人不安的效果，聽起來有點像科恩的手工版本的“Blind”。然而，貝斯手 Kim Coletta 和鼓手 Zach Barocas 為這首歌提供了必要的推力和拉力，讓羅賓斯的聲音聽起來時而不滿，時而焦躁，這取決於樂團在他周圍的搖擺方式。 Jawbox 對下一波情緒樂團的影響是有道理的——例如，Barocas 的鼓樂對《時空幻境》產生了巨大影響——並且也激勵像Deftones 這樣的後硬核樂團打破了這一流派的圍牆。 —大衛安東尼

15. 承諾戒指，“這件事在嗎？” (1997)

“這個東西開了嗎？”形狀轉變的決心如此之大，以至於需要比實際應該更長的時間才能意識到歌手兼吉他手戴維·馮·博倫正在重複唱同樣的五行詩句。與他的另一支樂隊 Cap'n Jazz 不同的是，Promise Ring 是該樂隊的一個副業項目。感覺沒什麼好是由其簡單性和可愛性來定義的。歌詞稀疏，以低音線為錨點，該低音線就像其餘樂器的氣球弦一樣，經常被混亂所吹散，“Is This Thing On?”聽起來就像是鞋面上的 Superchunk。它自信地位於情緒音樂譜系中旋律更優美的一端，但鞏固了這樣一個觀念：微妙的想法可以快速完成，而且可以大聲完成。 —艾瑪嘉蘭

14. 收回週日，「沒有E的可愛（從團隊中剪掉）」（2002）

這首歌的前奏就像巴甫洛夫（Pavlov）的《鐘聲》（Bell for aughts emos）一樣，觸發了任何學過基本HTML 的人，這樣他們就可以在MySpace 頁面上放置一個破碎的心形遊標。浪漫化的暴力、重疊的歌詞，以及與 Brand New 就「哪個神經質的主唱最自負」的競爭：《奪回週日》擁有這一切。受到 Promise Ring、Get Up Kids 和 Jay-Z 組合的影響，「Cute Without the E（Cut From the Team）」本質上是他們 2002 年首張專輯的主題陳述，告訴你所有的朋友。它不僅是這張專輯在聲音上的目標的最佳例子，也明確了背叛和復仇的主題。儘管選擇的抒情道具——口紅、餐巾紙、槍——給這首歌帶來了一種半開玩笑的感覺，但這一切毫不掩飾的戲劇性似乎反映了當時年輕人的共同痛苦，一群人在哭泣。 —艾瑪嘉蘭

13. 起床孩子們，「行動與行動」（1999）

Vagrant Records 押注於有什麼值得寫回家的——這不是比喻。隨著Get Up Kids 想要擺脫與斯卡朋克大本營Mojo 之間停滯不前、短暫的關係，Vagrant 聯合創始人喬恩·科恩(Jon Cohen) 抵押了自己的家，以支付樂隊突破性的第二張專輯的錄製費用。馬特·普賴爾(Matt Pryor) 不可能知道Dashboard Confessional、Alkaline Trio、Saves the Day、Hold Steady、PJ Harvey、the 1975 甚至Janet Jackson（她於2015 年與該廠牌簽約）的未來都依賴於他們的成功。儘管如此，在一張最受喜愛的懷舊暗戀歌曲合集中，《Action & Action》是一顆鋸齒狀的鑽石，由意想不到的突然而強大的壓力鍛造而成，在諷刺、蔑視、感激和接受之間穿梭。它在音樂上也同樣模棱兩可，下垂的強力和弦即興重複段在令人暈車的合成器上從大調到小調搖擺，甚至宣言性的合唱也以輕快的強力流行音樂和半場崩潰的形式呈現。 Pryor 抓住一切機會拒絕 emo 標籤，並重申 Get Up Kids 的根源在於 DIY 和龐克，《Action & Action》中對商業的矛盾就是他的證明。但當他最後大喊「這就是你從我這裡得到的一切」時，他拒絕了獨立搖滾所推崇的超然態度——毫無疑問他已經付出了自己的一切。 —伊恩·科恩

12.雷納‧瑪麗亞，《行星》(1999)

1904 年，詩人萊納·瑪麗亞·裡爾克（Rainer Maria Rilke）（威斯康辛州三首詩的得名者）在寫給軍校學員弗蘭茲·克薩韋爾·卡普斯(Franz Xaver Kappus)的一封信中，將悲傷視為一種改變力量。不是虛無主義的“南方公園哥德式」的方式，但作為人類經驗的必要組成部分。「唯一危險和不健康的悲傷是我們在公共場合攜帶的悲傷，以便用噪音淹沒它們，」他說。 “如果我們能夠看得比我們的知識更遠一些，甚至稍微超出我們的預感，也許我們會比對快樂更加信任地承受悲傷。”他接著解釋說，這就是為什麼在感到悲傷時保持「孤獨和專注」很重要——這種情緒在很大程度上概括了Rainer Maria 的前兩張專輯，它們在處理情緒方面非常耐心，以至於你可以幾乎感覺它們正在被即時處理。

《Planetary》取自他們的第二張專輯，充滿渴望且緩慢燃燒，就像可聽見的日落，雙聲遵循「互相補充句子」的寫作風格，感覺就像一場內心對話和一場對話。當敘述者在路上思考一段關係時——地理和情感上都在變化——這是變化懸崖的快照。沉思的行為，它介於知道終點就在眼前和知道它會採取什麼形狀之間。用更日記式的術語來說，它讓人想起裡爾克同一封信中的另一句話：“未來是靜止的，親愛的卡普斯先生，但我們在無限的空間中前進。” —艾瑪嘉蘭

11. Sunny Day Real Estate，《In Circles》（1994）

介紹性的吉他主音循環到位，聽起來像是從一首更快的歌曲中導入的。鼓聲來得太晚了，小鼓發出了特百惠的沉悶聲音。在第一節之前，失真踏板發出微弱的喀喀聲。當陽光燦爛的日子房地產播放“In Circles”120 分鐘,Jeremy Enigk 穿著 Thrasher 運動衫，Nate Mendel 則穿著長至小腿的卡其色短褲。陽光天地產是1994 年，他們與一支西雅圖樂隊在Sub Pop 上合作，因此他們不可避免地分享了當時獨立搖滾的一些鬥志旺盛的視聽美學，但整個流派卻在“In Circles”看似搖搖欲墜的結構上得以維持，因為基礎是如此牢固：令人熱血沸騰的和聲宣布了第二副歌，Enigk 將情緒搖滾的整個精神提煉成十個詞：“我夢想治愈你的傷口，但我自己也在流血。”它講述了 Sunny Day Real Estate 作為一個沒有偶像地位的流派中的傳奇人物的不安但永久的狀態。《In Circles》永恆地提醒我們，這種音樂是為那些尋求精神解脫的人們而創作的，如果他們只能拯救自己，他們願意付出一切來拯救他人。 —伊恩·科恩

10. 跳躍，「西藏流行歌星」(2012)

一起跳。照片：Getty Images/2018 大衛·A·史密斯

這十年來，沒有一首歌詞像弗蘭西斯·昆蘭在《西藏流行歌星》結尾處唱的“我的愛很一般”那樣令人心碎。雖然情緒搖滾經常被認為是戲劇化的，但該流派最好的樂隊總是有一種獨特的微妙的攻擊方式，而這正是 Hop Together 在這裡完美展示的。雖然《Hop Together》自誕生以來已經涵蓋了許多領域，但沒有哪首歌像《Tibetan Pop Stars》那樣受到熱烈歡迎，或者成為標誌性的歌曲。開場的簡單而厚重的即興重複段很快就消失了，給了鼓手馬克·昆蘭(Mark Quinlan)空間，讓他可以在主歌中保持持續的湯姆洗牌，並讓弗朗西斯(Frances)將她令人驚嘆的歌聲帶到最前面。合唱團中那些艱難的停頓讓樂團退出，讓法蘭西斯的歌聲在空中晃來晃去，每個字都抓住了聽眾，把他們拉得更近。她的每一個小節的表達都變得更加激烈，最後形成了簡單、令人回味、平和的短語：“沒有人像我一樣值得你。”可以說，Hop Together 再也沒有寫過另一首情緒歌曲，但《西藏流行歌星》如此簡潔地總結了他們從未需要的流派的一切偉大之處。 —大衛安東尼

9. 我的化學浪漫，「海倫娜」(2004)

很少情緒搖滾樂團能與 My Chemical Romance 的純粹動能相提並論。在他們放慢腳步並被連續的概念專輯吞沒之前（甚至由樂隊的不同虛構版本表演），他們是流行的情緒表演者，其歌曲如此水銀和爆炸性，它們施加了不可抗拒的引力。當然，他們仍然受到概念的支配：《海倫娜》既是對歌手傑拉德和貝斯手米奇·韋已故祖母的致敬，也是一部吸血鬼西部片的開端，貫穿其餘的部分之中。為甜蜜復仇歡呼三聲。即使是2004年對emo持懷疑態度的人也無法否認《Helena》；當鼓聲響起時，就像它們把你拖進歌曲當前的踢腿和尖叫聲中。當這首歌爆發出副歌時，這是一部完全誇張的情節劇，每一種感覺都被佔據，就好像這是最後一樣。 —布拉德·尼爾森

8.阿爾傑農‧卡德沃拉德，《某種類型的卡德沃拉德》(2008)

如果沒有 Algernon Cadwallader，晚期情緒搖滾的復興將會更加悶悶不樂，也少了很多樂趣。儘管樂團最初的四名成員在 2005 年調整了他們的聲音，但直到某種卡德沃拉德2008 年，主唱兼貝斯手 Peter Helmis、吉他手 Joe Reinhart 和鼓手 Nicholas Tazza 的加入讓一切都進入了高潮。 Cap'n Jazz 和美式足球的影響隨處可見，尤其是在《Some Kind of Cadwallader》中：猛烈的叫喊聲、陽光明媚的吉他滑音、燕尾服襯衫上的打孔污漬的混亂提及。金塞拉(Tim Kinsella) 對這一切有著明顯的闡述，就好像他早在1993 年就為自己的句法扭曲詩歌形式申請了專利。 ) 的大部分歌詞在現場和錄音時一樣難以解讀，但專輯標題中的歌詞- 軌道因牢牢紮根於青春期而脫穎而出。它令人眼花繚亂、傻乎乎的，而且從來不認真對待自己，儘管事實上，喜悅就像真誠一樣，很難假裝。阿爾傑農·卡德沃拉德(Algernon Cadwallader) 預測，每一個陷入情緒復興的青少年都會在晚上從當地娛樂中心的演出開車回家，意識到新發現的初露愛情時會說的話：“天哪，它正在接管我。你對此無能為力。 —妮娜·科科倫

7.《春之祭》，《比內心深處》（1985）

《春之祭》為鐵桿退學者提供了庇護，他們不熱衷於當時它所走向的日益男子氣概和暴力的方向。樂團的同名（也是唯一一張）專輯的定義與他們遺漏的內容和他們從中獲取的內容一樣多，利用該流派的速度和兇猛來探索另類主題——通常與渴望和困惑有關。主唱兼吉他手 Guy Picciotto 的寫作大多採用抽象術語（與硬核的直接方式不同），他運用了諸如抗議口號之類的個人弊病。《內心深處》結合了戲劇性的陳述和半修辭、半絕望的問題，絕對是一種折磨。這感覺很像當你照鏡子思考時所遭遇的生存危機：這個人是誰，他們有什麼能力？因此，「世界是我的導火線」既是對抗，也是積極改變的催化劑。《春之祭》更多地嘗試了響亮安靜的動態和旋律，軟化了硬核的僵化框架，這也是他們第一個提出「情緒」一詞的部分原因，既可以作為形容詞，也可以作為貶義詞。當然，樂團從未將其視為一種流派，但他們仍然為接下來的 25 年提供了最重要的文化試金石。 —艾瑪嘉蘭

6.帕拉莫爾，「這就是你得到的」(2007)

《Misery Business》可能會銘刻在文化記憶中，但作為一首歌曲，它不如《That's What You Get》那麼有趣、更不誠實。 Paramore 突破性專輯中發行的最頂級單曲暴動！是關於壓倒其他感官的感覺，關於墜入愛河，即使它顯然會崩潰。它的驅動力是典型的 Paramore 的即興重複段，吉他和鼓的同步綻放，提供了與最好的流行音樂相同的泡沫宣洩衝動。詩句中近乎混音的吉他迴聲使它們聽起來就像碳酸向上冒泡。海莉威廉斯 (Hayley Williams) 的聲音幾乎是隨意而優雅；對於情緒搖滾歌手來說，不同尋常的是，她從不在音符之間掙扎，而且她的表達很坦率，讓你感覺好像你正在與她直接談論她的生活。 “痛苦向我襲來，”她唱道，“而我將永遠如此誘人。”她知道自己會再次陷入這種境地，在理智與完全無意義的感覺之間進行焦慮的角力。 —布拉德·尼爾森

5. 陽光燦爛的日子房地產，「七」（1994）

《Seven》和 Sunny Day Real Estate 首張專輯的中心日記是傑里米·恩尼克 (Jeremy Enigk) 的聲音——在經歷了上一次巡演的壓力之後，在演出前夕，他的聲音已經磨損成蒼白、被腐蝕的尖叫聲。日記開始了。「縫上……它，」恩尼克用嘶啞的低聲唱道，他在每幅拼貼文字中和周圍所包裹的感覺比文字本身更有意義。《七》接下來發生的事情——Enigk、吉他手Dan Hoerner、貝斯手Nate Mendel 和鼓手William Goldsmith 都以交替的兩和弦模式演奏了七首熱門歌曲——改變了1994 年emo 的格局，從頭開始重新繪製地圖。 Enigk 和Hoerner 的刮擦和聲中殘留著硬核的痕跡，但吉他作品和歌曲創作正在擴展到該流派本已多孔的界限之外，每種樂器組合成一股獨特的粗糙聲音，更像是Smashing Pumpkins，而不是Still Life。之後發生的一切和所有人日記跟隨它的領導。 —布拉德·尼爾森

4. 吉米美食世界，《甜蜜》(2001)

當吉姆·阿德金斯第一次問“你在聽嗎？”時，答案是“可能沒有。” Jimmy Eat World 在錄製《Sweetness》的小樣時是一支默默無聞的樂隊，這被追溯至他們的傑作明晰作為 2007 年再版的獎金削減。正如傳說中所言，Capitol 並不認為《Sweetness》屬於這張唱片——這是正確的，即使廠牌沒有獲得其遠見卓識的回報。這首歌更符合簡潔、轟動的單曲流血美國兩年後，Capitol 因未能在新金屬和青少年流行音樂主導的市場中蓬勃發展而將《吉米美食世界》中的明星們拋棄。雖然 Jimmy Eat World 那時可以被認為是力量流行音樂，但“Sweetness”大膽地尊重了他們作為後硬核樂隊的根源，將耶穌蜥蜴命名為他們的形成影響之一：呼叫和響應的聲音；停止-啟動、雙吉他互動；扎克林德(Zach Lind) 無盡的打擊樂支撐著阿德金斯(Adkins) 的全美風格，這一切結合在一起，構成了一首令人興奮和震撼的歌曲，就像任何美好的迷戀一樣。《Sweetness》沒有像《The Middle》那樣普及，但它否定了 Jimmy Eat World 被視為一擊奇蹟的可能性，從而為那些將 emo 推向更大商業財富的樂隊敞開了大門。不管什麼滾石樂隊或者新ME或者其他人在 2001 年晚些時候告訴你，新搖滾革命已經開始。 —伊恩·科恩

3. 爵士隊長，《少年聯盟》(1995)

Cap'n Jazz 有一種在情緒搖滾中很少見的愚蠢——總的來說，它傾向於認真對待事情，並要求反過來認真對待。《少年棒球聯盟》是來自浪漫劇痛深處的呼喊，充滿希望與陷阱。這是一個熟悉的領域，被蒂姆·金塞拉（Tim Kinsella）抽象而深情的抒情所扭曲，這種抒情與之前的革命夏季樂隊的清醒和之後的樂隊的表演格格不入（而且仍然感覺）。相比之下，「嘿咖啡眼睛/你讓我咳出了我的餅乾心」幾乎可以被認為是芬恩唱的關於迷戀的歌冒險時光。

似乎遵循海明威的格言“醉酒寫作，清醒編輯”而沒有進入第二階段，Cap'n Jazz 的風格太古怪，他們存在的理由太隨意，無法與自己以外的場景形成任何牢固的聯繫。但他們的混亂是有原因的，《少年棒球聯盟》就是一個很好的例子。它看起來就像一個青少年的臥室——看似雜亂無章，但仔細觀察後，就會發現最私密的秘密。黑暗處於休眠狀態，對於 Cap'n Jazz 來說可能比這裡提到的許多樂隊更是如此，但“少年聯盟”並沒有興趣面對它。相反，它幾乎是被迫擺脫的。無論健康與否，痛苦都會像綁在自行車後面的罐子一樣被拖入一個幾乎可以被描述為有趣的領域。 —艾瑪嘉蘭

2. Jawbreaker，《事故頻繁》(1995)

圍繞著 Jawbreaker 唯一的主要唱片公司發行的傳說，1995 年親愛的你，已充分記錄。這支備受喜愛的灣區樂團曾公開批評主要唱片公司以及墓誌銘等更大的龐克品牌，但最終與格芬簽署了一項協議。而且，就在此時，他們所處的極度獨立的環境很快就對他們產生了反抗。儘管這種背景很重要，但它證明了親愛的你即使是樂團最不滿的歌迷也無法永遠否認這張專輯的魅力。不僅是親愛的你比以前更出色的聲音體驗；它還收錄了樂隊最好的歌曲，即“Accident Prone”。

採用在上發現的遲鈍抽象露營- 對其進行了精煉24小時復仇療法——到了他們的邏輯終點，《Jawbreaker》轉入了模仿尖銳、持續疼痛的民謠。布萊克·施瓦岑巴赫（Blake Schwarzenbach）正處於歌手的巔峰時期，他的吉他演奏充滿了緩慢的琶音和弦，聽起來好像他只是敲擊音符，以便看到它們在手中衰減。這些慵懶的掃弦是一種狡猾的誤導，副歌部分用層層強力和弦撕裂開來，將施瓦岑巴赫的吉他變成了咆哮的噴氣發動機，而鼓手亞當·普法勒則懲罰了他的底鼓，給這首歌帶來了持續的重擊，直擊太陽神經叢。貝斯手 Chris Bauermeister 填補了他所提供的所有開放空間，將這首歌推向了令人心跳加速的高潮，考慮到樂隊在達到這一點時所表現出的所有耐心，這一時刻感覺真正的宣洩。《Accident Prone》是一首如此宏大、如此感人、執行起來如此完美的歌曲，它準確地說明了為什麼 Jawbreaker 仍然如此受人喜愛，以及為什麼即使是最疲憊、最憤世嫉俗的朋克也無法對他們生氣。 —大衛安東尼

1. 美式足球，「Never Mean」（1999）

照片：Getty Images/2016 Miikka Skaffari

有史以來最偉大的情緒歌曲聽起來確實像是從來沒有想過的那樣。至少持續幾秒鐘。錯誤的開始是書中最古老的技巧之一，它透過看似首先揭開錄音過程的神秘面紗來提升錄音過程——一個被扔掉的鼓聲，一些錯誤的吉他吱吱聲，一些錄音室的閒聊，所有這些都是謙虛的吹牛：“哦，不要”別介意我們，我和我的朋友們即將在磁帶上施展一些魔法。然而……這正是《美式足球》的同名首張專輯中所發生的事。 “當我們剛開始創作音樂時，並不是為了流行，甚至不是為了成為一支樂隊，”麥克·金塞拉聲稱2016 年他們欣喜地回歸後，一切都得到了證實。美式足球隊只是伊利諾大學的三名學生，他們只對那些超越他們當時定義的一切——即龐克搖滾和大學——感興趣。幾乎每首歌曲美式足球對於進入 20 多歲的人即將面臨的巨大變化，他感到令人羨慕的平靜。金塞拉害羞地喊道，“我認為這是最好的/因為你不會錯過你忘記的東西/所以讓我們假裝你和我之間的一切/一切都不是故意的”，專輯開場曲“ Never Meant」逐漸淡出，鞏固了它作為有史以來最甜蜜、最感傷的分手歌曲之一。有一段時間，「Never Meant」被視為對美式足球本身的預言性元評論，因為樂團在幾個月後宣布退出。讓我們慶幸這段美好的戀情的發生，而不是為它的結束而悲傷。

進而美式足球最終成為獨立搖滾日出前：所有相關方似乎都無法動搖這樣一個想法：這種毫不費力的神奇事物曾是這是命中註定的，因此他們在接下來的 20 年（以及兩部續集）中試圖重新獲得同樣的化學反應。但你最終會想知道最初的浪漫在多大程度上歸因於缺乏界線、期望或傳統軌跡。《Never Meant》挑戰了傳統的歌曲結構，將情緒搖滾與其硬核根源完全割裂，並無視「快樂」大調和「悲傷」小調之間的區別。 Kinsella 和 Steve Holmes 的吉他既和諧又略帶不和諧，美麗或令人心碎或令人心碎，隨聽者的意願而流淌，像喜悅的淚水一樣流淌。

「Never Meant」在 15 年前、10 年前、甚至 5 年前都不會名列榜首，但這樣的清單也可能不會出現在主要出版物中。雖然影響美式足球無論如何強調都不為過，它的崇拜是緩慢而有機的，並且實現了坦率地說不可思議的壯舉，不僅取代了《春之儀式》或《陽光燦爛的房地產》，成為“情緒”的權威文章，而且在MySpace 時代。美式足球是 2010 年代復興影響最大的單一事件，它要求看門人重新評估他們的偏見，並且不情願地承認導致“感覺東西”音樂成為吉他獨立搖滾的主導模式。無數樂團發現自己陷入了對樂器的探索和對音樂的無盡渴望。美式足球現在，變調夾、交替調音、奇怪的拍號和小號就像紅色法蘭絨或俯衝髮型一樣根深蒂固地融入了「情緒」的觀念中。但美式足球不僅重塑了這一流派的聲音，它還重申了它的主要情感不是悲傷或怨恨，而是一種包羅萬象的浪漫主義，最好的表達方式是“Never Meant”——一首佔據過去、現在與未來的歌曲，期待現在的懷舊。 —伊恩·科恩

史上最偉大的 100 首情感歌曲

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